documentos: Guía para la Historia de la Comunidad de Artes Visuales
Below is a recent history of arts in the area meant to complement the comprehensive history found in the book "Two Centuries of Art in New Hanover County" which is available in digital full-text here.
The Guía para la Historia de la Comunidad de Artes Visuales in Southeastern North Carolina
By Dr. John W. Myers
July 2008
¿Qué son las artes visuales?
Según Richard Kamler, “arte es nuestro verdadero lenguaje global. No conoce ninguna nación, no favorece ninguna raza, y no reconoce ninguna clase. Habla a nuestra necesidad de revelar, de curar, y de transformar. Transciende nuestras vidas cotidianas y nos permite imaginar lo que es posible.”
Con el paso del tiempo, la definición de las artes visuales ha sido algo fluido. Las variaciones ocurren a menudo que aparecen y dependen de las necesidades del individuo o grupo que crea la definición. En su forma más genérica las artes visuales incluirían cualquier forma de creación humana que depende principalmente del sentido de la vista. En esta definición muy general, las artes tales como las artes escénicas de la danza y la música pueden calificar bajo este título.
Las distinciones son también hechas a menudo que separan la forma del arte bidimensional de la tridimensional. En tal definición, el dibujo, pintura, fotografía, obras creadas digitalmente, y el grabado caerían bajo el anterior y calificarían como artes visuales, mientras que la escultura y la arquitectura podrían ser colocadas en la categoría de las artes plásticas; y por extensión, la danza y la música también.
Otra definición, la cual tiene sus orígenes en los decimoctavos y decimonovenos siglos, hace una separación consciente entre las bellas artes y las artes aplicadas (o prácticas). Se suele pensar que las bellas artes proporcionan estímulo intelectual, mientras que las artes aplicadas usualmente son diseñadas para una función específica que implique un uso diario. Esta definición reconocería el dibujo, la pintura, la escultura, y la arquitectura en la categoría de bellas artes, mientras que la joyería, la cerámica, los textiles, y otros objetos funcionales que incorporan aspectos del diseño creativo caerían bajo la categoría de las artes aplicadas.
En todas estas definiciones, no es difícil ver borrosos los límites entre las categorías. Por ejemplo, la arquitectura puede atraer al intelecto, aunque esto también tenga una función práctica; y un florero maravillosamente diseñado puede ser perfecto para exhibir un ramo de flores o permanecer por si sólo como un objeto que nos estimula intelectualmente.
En resumen, parece, que podemos adaptar la definición de arte o de artes a nuestra conveniencia o necesidades en una situación específica. Entonces, por los propósitos de esta “Exhibición Digital,” calificamos nuestra definición de artes visuales indicando lo que intenta incluir su creador. En La Comunidad de Arte Visual en Wilmington y el Sudeste de Carolina del Norte:“Una Exhibición Digital”, la categoría, artes visuales, incluye dibujo, pintura, fotografía tradicional, fotografía digital, grabados, esculturas, obras artesanales (tales como joyería, cerámica, y arte textil), y obras creadas digitalmente [incluyendo obras originales reproducidas en una edición limitada usando métodos tales como giclée, un proceso de fabricar e imprimir bellas artes con fuente digital usando impresión de surtido de tinta (ink-jet printing)]. Lo que no incluye son teatro, danza, música, arquitectura, cine o cualquier forma de expresión de escritura. Con esto en mente, el siguiente ensayo proporciona una breve historia de las artes visuales en el sudeste de la región de Carolina del Norte desde su principio hasta su actualidad.
El Siglo XVIII
Desde el principio de la colonización, los europeos del Lower Cape Fear, las artes visuales se han tejido inextricablemente en la estructura de la historia cultural del sudeste de Carolina del Norte. Durante todos esos años, el arte ha dado significado y placer a las vidas de los residentes del área en el contexto de pasatiempos sociales, de experiencias religiosas, y de sistemas educativos. Como es el caso de cualquier comunidad vital y próspera, las artes visuales han sido esenciales y una parte interesante de la vida cultural de la región.
La documentación de las artes visuales para el sudeste de Carolina del Norte en el siglo XVIII es prácticamente inexistente. Sin embargo, si confiamos de la historia de otras ciudades coloniales del sigloXVIII por la cual tal escritura y evidencia visual existe, podemos construir un convincente cuadro para la región. Es inverosímil que algunos artistas o escultores profesionales estuvieran disponibles, pero los artesanos locales siempre han sido una parte de la vida de cualquier comunidad. Mientras la población del área creció junto con la sofisticación de sus habitantes, los mamposteros, talladores, carpinteros y fabricantes de muebles, y también los pintores de casas, entrenadores, vendedores e incluso bomberos (usando cubos para apagar incendios) habrían estado demarcados por varias comunidades establecidas. Como parte de las primeras tradiciones americanas, los obreros, frecuentemente ampliaron su atractivo ofreciendo tallado de lápidas, la predominante forma de escultura en América antes de la Revolución; la moda de muebles de maderas ornamentales; o pintar retratos a petición. Aunque no se ha encontrado ningunos ejemplos de las esculturas del siglo XVIII en la región, la evidencia de retratos es lo más convincente.
Después de que incorporaron a Wilmington en 1739-40 y se convirtió en un centro urbano, los pintores itinerantes debían haber viajado a la ciudad en busca de empleo. Aunque autodidácticos, sus habilidades probablemente habrían excedido a las de cualquier artesano local convertido en artista. Muchos vinieron de los estados del noreste, viajando al sur entre primavera y otoño, y viniendo a Wilmington por Fayetteville o New Bern. Ellos hacían publicidad en los periódicos locales antes de su llegada, anunciando una variedad de talentos además de la pintura de retrato. La versatilidad fue importante para ganarse la vida, así que los logros de los pintores itinerantes podrían variar entre enmarcados de cuadros, enseñar a dibujar, enseñar latín y francés a las señoras jóvenes o enseñar esgrima a los hombres jóvenes, y enseñar el baile a ambos sexos.
El primer artista itinerante registrado en Wilmington fue Fred J. Jocelyn, quien anunció en el periódico el Wilmington Gazette en 1798 que él pintaría “en miniatura y también en pelo, natural o disuelto, si no gusta no paga” (In miniature and also in hair, natural or dissolved no likenesss no pay). Jocelyn y los siguientes viajantes debían haber tenido un impacto significativo en la vida social y cultural de los centros de las poblaciones que visitaron. Wilmington y otras comunidades tal como Southport, comisionado originalmente como Smithville en 1792, se habrían beneficiado de sus contribuciones a la vida intelectual así como la artística en los primeros años.
El siglo XIX Pinturas del Siglo XIX
Después del comienzo del siglo XIX, el número de artistas que viajaban aumentaba significativamente. Una gran cantidad de retratos de personas de Wilmington han sobrevivido de este periodo y permanecen en posesión de los descendientes de familia. J. J. (F. J.) Belanger hizo publicidad en el periódico el Gazette de Wilmington del día 20 de octubre de 1807como un tomador y pintor de perfil. La experiencia de Belanger en Wilmington debía haber sido similar a la de la mayoría de los pintores itinerantes cuyo éxito dependía de la relativa demanda de sus servicios. En 1809, por ejemplo, Belanger anunció en el Heraldo New Bern que él se trasladaría a New Bern si pudiera encontrar suficientes patrocinadores. Todavía, en mayo del mismo año, él anunció otra vez que él permanecería en Wilmington y enseñaría francés. La naturaleza errática de cualquier patrocinio hizo necesario para tales artistas trasladarse con frecuencia a lugares más prometedoras.
Belanger también se hacía llamar “the lodge’s decorator”, probablemente en referencia a St. John’s Masonic Lodge en la Orange Street. Hay un acuerdo general entre historiadores que Belanger pintó decoraciones en las paredes del salón de reuniones del alojamiento. La renovación del salón en 1913 reveló la evidencia de las pinturas de la pared. La única sección conservada sobre la repisa de la chimenea demuestra un grupo de emblemas masónicos, pero las viejas fotografías indican el diseño de guirnalda en la parte superior del panel que abarcó todo el salón. La obra fue restaurada por el artista de Wilmington, Claude Howell en 1943, cuando fue utilizado como taberna. La pintura, que sigue siendo visible, fue dañada gravemente por un huracán a mediados de los ochentas, y restaurada nuevamente cuando el edificio fue adaptado a la casa de la colección permanente del St. John’s Museum of Art. La obra sin duda merece el reconocimiento como el mural sobreviviente más viejo de Carolina del Norte.
Otra figura importante en la vida artística de Wilmington durante el comienzo del siglo XIX fue William Garle Browne, Junior. (1823-1894). Nacido en Leicester, Inglaterra, hijo de un pintor de paisajes, Browne llegó a América, y en 1840, ya había exhibido en la National Academy of Design en Nueva York. Aparentemente pasó mucho de su tiempo en el Sur (de los EUA) pintando retratos en Richmond, Norfolk, y Danville, Virginia, y también en Charlotte, Raleigh, y New Bern, en Carolina del Norte. Wilmington también fue aparentemente uno de sus lugares preferidos para visitar. El artista se instaló en Nueva York en 1856, pero continuó su estancia en el Sur. Sus retratos reflejan el cambio de estilos en su pintura desde la mitad hasta finales de siglo diecinueve. Los retratos de Browne de Annie Potts Kidder, Rachel Troy London, y de Manger London están en la colección permanente del Louise Wells Cameron Museum aquí en Wilmington. Otro retrato de Lucy Wright Murchison Giles forma parte de una colección privada de Wilmington.
Un pintor conocido solamente como “Sr. Marsden” también realizó un número de retratos de los “wilmingtonianos” a mediados del siglo diecinueve. El retrato de la señora Samuel Davis (anteriormente conocida como Rachel Whitfield Wright), pintado en 1846, es uno de los más fascinantes debido a su fondo escénico. El fondo del retrato contiene una vista de la St. James Episcopal Church visto desde el estudio de Marsden en la Second Street. Marsden también pintó a los hermanos William Dougald (1844-1945) y John Bruce (1848-1904) MacMillan en un encantador retrato doble que es casi primitivo en estilo. La obra se encuentra en una colección privada de Wilmington.
Una de las primeras pinturas más fascinantes de Wilmington es el original telón en lienzo para Thalian Hall, que ahora se encuentra en el primer nivel del vestíbulo del teatro. En un artículo en el Daily Journal de Wilmington (13 de octubre de 1858) nos dice que es un paisaje con figuras que representan “el viaje de las principales personas de las ciudades de la Antigua Grecia a una isla en el Mar de Egeo sobre el cual hay uno de los muchos templos celebrados y dedicados a Apolo, con el fin de sacrificar y de consultar el oráculo antes de la abertura de los Juegos Olímpicos”. El telón es por William Russell Smith (1812-1896), uno de los pintores del paisaje de teatro más celebrados a mediados del siglo diecinueve en América. Nacido en Escocia, Smith se estableció en Pennsylvania con su familia en 1819, y posteriormente pintó paisajes y telones para muchos otros teatros, incluyendo la Philadelphia Academy of Music, Edwin Booth en Nueva York, y la Grand Opera House en Wilmington, Delaware. Smith también pintó un telón alegórico para Thalian Hall el cual fue presentado por un grupo prominente de “wilmingtonianos” como regalo a la ciudad. Tal acto por parte de los ciudadanos no sólo representa una infusión de gusto actual y la moda de los grandes centros culturales del Norte, sino que también demuestra un compromiso al enriquecimiento cultural de Wilmington como una ciudad de importante crecimiento en Carolina del Norte.
Aunque los pintores viajeros llegaron a Wilmington en las décadas después de la guerra civil, a fines del siglo diecinueve, la ciudad y sus alrededores tenían su propio grupo de artistas residentes. La mayoría de sus pinturas se han perdido, pero la lista de artistas y de sus obras es larga. Entre los contribuidores más notables estaban Charles E. Burr y J. A. Milne, pintores ornamentales del ferrocarril de Wilmington, Columbia y Augusta. Estos caballeros pintaron una escena de Glen-Varlock, Escocia en un telón de 21 x 14 pies, el cual fue destinado para el nuevo teatro en Fayetteville. Burr, que vivió en Wilmington, también fue reconocido por haber repintado el paisaje de la Opera House (Thalian Hall) en 1881. La E. T. V. Richards fue otro pintor de paisaje de teatro conectado con la Opera House. En 1885, él realizó el paisaje para Crazy Quilt, interpretado por John T. Kilham. Otras referencias enumeran a Richards como un pintor, artista en vidrio de color, y grabados. Él diseñó e instaló los vitrales de la Episcopal Methodist Church en la Fifth Street, y también lo reconocen por el diseño para la re-decoración de la St. Paul’s Lutheran Church.
Contribuciones Tempranas de Artistas Afro-Americanos
Los artistas Afro-Americanos hicieron significativas contribuciones a la vida cultural de Wilmington, que fueron reconocidas después de la guerra civil. En 1869, James H. Harriss, policía por vocación, dibujó la nave “Cuba” a babor, e hizo más adelante una pintura igual en óleo. La principal causa de fama del guardia Joseph C. Hill fue un enorme panorama pintado en 1870 para la exhibición en Thalian Hall. La obra, llamada Hill’s Grand Panorama, era de ciento noventa y ocho pies de largo y representó a “Moises en Egipto, o los triunfos de Israel” (Moses in Egypt, or the Triumphs of Israel). La exhibición de la pintura, ofrecida en varios artículos en el Wilmington Morning Star (19 de octubre 1869 y el 18 de enero de 1870), fue acompañada por una viva descripción de cada escena del artista, combinando la pintura y la actuación, y usando el arte y el entretenimiento como un elemento adicional a la educación religiosa. Fue un evento tan popular para la comunidad afro-americana cuando fue presentado, que el resto de la población de Wilmington acudió para verlo en cuatro ocasiones seguidas. Hill obtuvo su reputación con otras obras, tales como una puesta del sol con vista de una bahía italiana usada como telón en el St. Maria’s Hall en el Giblem Lodge. Según el Wilmington Morning Star (22 de agosto de 1881), que describió esta obra, Hill fue “un artista de color de este lugar quien hasta este momento resultó con algunos cuadros muy loables.”
Aunque proporciona poca información concreta sobre los artistas, y descripciones de su obra, la primera feria para los afro-americanos en el estado fue llevada a cabo en el Wilmington Fair Grounds en 1875. Patrocinada por The Colored Industrial Exposition Association, incluyó una exposición de arte. El Wilmington Morning Star proporcionó noticias sobre el evento, incluyendo una lista de artistas negros cuyas obras fueron exhibidas en la feria.
Esculturas del Siglo XIX
La pintura parece haber sido la forma principal de expresión artística en Wilmington y del Lower Cape Fear durante el siglo diecinueve. La documentación de la escultura durante este período no es mucho mejor que la del siglo dieciocho. Las lápidas y los ornamentos arquitectónicos seguían siendo formas importantes de tallado o de moldear hasta muy tarde en siglo diecinueve. La primera escultura pública apareció en 1868, cuando The Ladies Memorial Association buscó suscripciones para un monumento a los muertos de la Confederación para ser erigido en el cementerio de Oakdale. Una figura de bronce de un soldado confederado forma el enfoque de la obra. Está levantado sobre una base de granito en Carolina del Norte, que es decorada con bajo relieve con semejanzas al general Robert E. Lee y Thomas “Stonewall” Jackson. El escultor fue William Randolph O' Donovan de Virginia, que mantuvo un estudio en Nueva York, y alcanzó una reputación nacional. El Confederate Monument fue dedicado con un discurso conmemorativo el 10 de mayo de 1872, “en presencia de personas interesadas.”
El Siglo XX
Escultura Pública en el Siglo XX
A principio del siglo XX se presenció un marcado aumento de interés en la escultura pública al aire libre. El optimismo del nuevo siglo, la continua importancia de Wilmington como puerto, y su eventual prominencia como el centro para la línea de Ferrocarril de la Costa Atlántica indudablemente engendraron sensaciones de autoestima en los padres y los ciudadanos de la ciudad. Tal orgullo cívico animó el embellecimiento de la ciudad y de sus importantes carreteras. Los planificadores de la ciudad de Wilmington siguieron el formato europeo tradicional que se remonta al Renacimiento y lo Barroco, y dictan el marcar de las intersecciones de carreteras urbanas importantes con los monumentos y las fuentes históricas. El primero de éstos fue Harnett Obelisk en 1906, erigido por la National Society of the Colonial Dames of America en el estado de Carolina del Norte. El obelisco fue diseñado para honrar a los “héroes coloniales del Lower Cape Fear”. Cornelius Harnett (1723-1781), mencionado por su nombre en el monumento, gozaba de una larga y significativa carrera como patriota y estadista durante la Revolución y los primeros días de la nueva república. Así que fue apropiado que el obelisco conmemorativo diseñado y construido por M. G. Delahunty de Philadelphia, llevara el nombre de uno de los hijos nativos más ilustres de Wilmington. El Harnett Obelisk está situado en el centro de Market Street, al este de la intersección con la Fourth Street.
La figura George Davis de pie, erigida entre 1909 y 1911, sirve como monumento a otro de los residentes más famosos de la ciudad. Davis (1820-1896) nació en el Condado de New Hanover y vivió la mayor parte de su vida en Wilmington. Aunque fue abogado por profesión, él encontró su verdadera vocación como político y defensor de la Confederación. Davis era uno de los grandes delegados que representaba a Carolina del Norte en el Confederate Provincial Congress. Él se hizo procurador general de la Confederación en 1864, y sirvió hasta abril de 1865. En el cierre de la guerra, lo arrestaron y fue encarcelado, pero fue liberado en la amnistía general decretada por el presidente Andrew Johnson. Davis volvió a Wilmington y ejerció una exitosa carrera en leyes. El Capítulo Número 3 de las Hijas Unidas de la Confederación de Cape Fear comisionó el monumento de bronce. Su escultor, Frank Packer, fue un artista con reputación nacional que trabajó con Daniel Chester French y Henry Bacon en el monumento de Lincoln en Washington, D.C. La estatua de Davis está situada en el centro de la Market Street, al este de la intersección con la Third Street.
El Confederate Memorial en el centro de South Third Street y la intersección de Dock Street es un ejemplo importante de la escultura pública entre los monumentos históricos de Wilmington. Las dos figuras, representando el valor y el sacrificio, emanan ese espíritu romántico frecuentemente asociado con la guerra. La escultura fue financiada con una donación de Gabriel James Boney, y dedicada “a los soldados de la Confederación.” Esto es otro ejemplo de la colaboración entre el escultor, Frank Packer, y el arquitecto, Henry Bacon. Parker creó las figuras de bronce y Bacon hizo el pedestal y el eje de granito, que enmarcan con éxito la escultura. Además del grupo confederado, Packer fue responsable por el monumento T.E. Sprunt en el cementerio de Oakdale.
Henry Bacon, que pasó mucha de su niñez en Wilmington, fue sepultado en el cementerio de Oakdale. Como un arquitecto él es más recordado como el diseñador del monumento de Lincoln mencionado arriba, pero él continuó su colaboración con otros escultores como Packer y French como el creador de pedestales y de monturas para monumentos públicos. En Carolina del Norte, por ejemplo, Bacon se unió con el escultor Augustus Lukeman para producir el Monument to the Women of the Confederacy (1913) en Capitol Square en Raleigh. Bacon, como artista también, pintó la acuarela de St.John’s Logde, que está en la colección del Louise Wells Cameron Museum.
De toda la escultura pública en Wilmington, Kenan Memorial Fountain (1921) es el más impresionante. Continuando la tradición barroca, en la cual un monumento sirve a menudo como la pieza central para una intersección de cuatro o más calles, esto marca la convergencia de Fifth Avenue y Market Street. La fuente obliga al tráfico a un patrón circular, y, al mismo tiempo, funciona como un hermoso punto de referencia escultural, que conlleva al orgullo comunitario. Diseñado por la firma arquitectónica de Carrere y Hastings, la fuente fue un regalo del “wilmingtoniano,” William Rand Kenan, Junior, en memoria de sus padres, William Rand Kenan y Mary Hargrave Kenan. El nivel más bajo de la fuente fue quitado en 1953 como parte de un proyecto de una autopista del estado para agrandar la intersección, así dejando una versión reducida, que es la que vemos hoy.
Un maravilloso bajo relieve de la Primera Guerra Mundial, centralmente puesto en la intersección de 13th Street y Market Street, fue quitado cuando la calzada de arriba fue construida en ese punto. El monumento fue trasladado a la propiedad de New Hanover High School. Diseñado por J. Maxwell Molinero, la obra lleva una dedicatoria a los muertos de Wilmington en la Primera Guerra Mundial. El relieve representa la personificación de la Libertad usando un modificado gorro frigio, sosteniendo una ramita de laurel en su mano derecha. Un escudo con los nombres inscritos de los héroes se encuentra en el suelo, equilibrado por la mano izquierda de la Libertad.
Los ejemplos más recientes de la escultura pública en Wilmington fabricados en las últimas décadas incluyen la escultura de Cor- Ten Steel de Horace L. Farlow, comisionado en 1980 por The Landing, Wrightsville Beach, Carolina del Norte. Esta maravillosa obra abstracta de un color oxidado se halla en el frente y centro de un conjunto de tiendas al por menor, boutiques, y un restaurante justo antes de cruzar el puente a la isla de barrera de Wrightsville. Horace Farlowe (1933-2006) fue profesor de arte en la Universidad de Georgia Lamar Dodd School of Art, Athens, GA entre 1979 y 2000. Un nativo de Carolina del Norte, Farlowe gozó del estatus de artista en residencia en un número de instituciones académicas en Carolina del Norte, y es más recordado por sus esculturas de grande escala al aire libre en mármol, bronce, y acero corten.
Dos esculturas encantadoras por Al Frega pueden ser vistas en espacios públicos alrededor de Wilmington. Ambas son fuentes, construidas de objetos encontrados de metal. Una adorna un parque pequeño en la entrada de la Biblioteca Pública de Wilmington en el centro de la cuidad, y el otro está situado en el New Hanover County Arboretum en Oleander Drive. Frega enseñó cursos en UNCW antes de irse de Wilmington, y también mantuvo un estudio en Acme Art. El escultor es actualmente activo en proyectos públicos de arte en el área del Triangle (Triángulo), y tiene obras completas para edificios públicos en Durham y Chapell Hill, así como un proyecto para los edificios estatales en Raleigh.
El Arboreto tiene varias otras esculturas metálicas en cobre que son dignas de mencionar. Una encantadora escultura de una rana, creada por el artista de Wilmington Andy Cobb, y parece tan real como si fuera a croar, decora el Gathering Gardens. Dumay Gorham también creó una escultura de una tortuga para el jardín de agua, pero su maravillosa serpiente de mar, ondulando en el jardín de agua, realmente roba la atención.
El North Carolina Aquarium en Fort Fisher tiene una cantidad de esculturas en su jardín y áreas de exhibición. Varias obras de Michael van Hout decoran el interior del acuario. En el edificio marino una concentración de entre 200 caballas españolas en metal esculpido circulan desde el techo del edificio marina bajando hasta el Open Ocean Gallery del acuario, localizado en la primera planta, creando la impresión de un gran cardumen de peces. Los “spadefish” (un género de Ephippidae) de metal cuelgan sobre la exhibición “Shadows on the Sand,” que representan criaturas vivientes en llanos de arena, así creando una extensión en el air de la instalación de abajo. En todas partes del edificio del acuario marina los peces en metal de van Hout cuelgan en cardumen, dando a los visitantes la sensación de estar inmersos ellos mismos en un ambiente oceánico, mientras que experimentan la exhibición de la vida marina. Además de las creaciones de artistas profesionales, los visitantes son invitados a exhibiciones cambiantes de obras originales por artistas de todas las edades en la Galería de Spadefish.
Otras esculturas en el acuario incluyen una maravillosa obra interactiva de un cangrejo violinista, creado de las fibras de vidrio y de espuma por Dumay Gorham, y una serie de seis esculturas de bronce por el artista de la fauna y flora David Turner: una gran garza azul, unas nutrias entrelazadas, un pato real, todo maravillosamente incorporado en el Memorial Garden. Para la piscina reflectante en la entrada del acuario, Turner también creó “spadefish” de metal nadando en un ambiente acuático.
Thalian Hall, en el centro histórico de Wilmington, guarda una obra asombrosa por la artista de Nueva York, Dorothy Gillespie. Una cascada brillante con tiras ondulantes de metal fusionan para formar Colorfalls, 1989 en el atrio de quince pies de ancho en el vestíbulo del teatro. La obra tiene 42 pies de alto por 11 pies de ancho y llena casi totalmente la pared izquierda del atrio desde el techo al suelo. La escalera y los balcones proporcionan una variedad de ángulos al panorama, y una claraboya sobre la escultura crea un entorno cambiante de iluminación. La obra fue creada en el estudio de artista de Nueva York para una exposición por invitación en Montreal, Canadá, patrocinado por Alcan. Después fue adaptado y ajustado para caber dentro del atrio de Thalian. Las cintas de espirales y los zarcillos de metal coloreado crean la impresión de ondas y de aguas que caen y se extienden mientras que descienden hacia el piso.
En 2003, una competencia fue celebrada en Airlie Gardens, un parque del condado de Wilmington, para crear un jardín conmemorativo en honor a la artista forastera Minnie Evans. Airlie es el jardín donde Evans trabajó como portera por 40 años. El ganador, Virginia Wright- Frierson seleccionó y manejó un equipo de siete artistas, cada quién creó sus propias esculturas. El grupo incluyó Karen Crouch, Dumay Gorham, Brooks Koff, Hiroshi Sueyoshi, y Michael van Hout, todos los artistas locales, junto con el artista invitado Tejuola Turner. Barbara Sullivan, autor de Garden Perennials for the Coastal South, preparó los jardines y los arbustos alrededor del sitio. La construcción del proyecto de un año, apoyado con la ayuda de muchos voluntarios, dio lugar a un jardín hermoso lleno de esculturas y de mosaicos. Wright-Frierson creó la pieza central del jardín, Airlie Gardens Bottle Chapel hecho de varias botellas coloreadas fijada en mortero sobre varillas y postes de madera impregnada para formar una capilla con 7 lados, con una medida de 17 pies de alto y 17 pies de un lado a otro en todas las direcciones. Cuando se enciende en la noche, el brillo de la capilla se parece al efecto de un enorme vitral. Aunque es arquitectónico en diseño, la capilla crea la sensación de una enorme escultura de cristal fijada en el paisaje circundante del parque.
Dos ángeles en varios materiales metálicos hechos por Dumay Gorham están al costado de la entrada de la Bottle Chapel. Minnie ha indicado que su inspiración vino del “Angel a mi lado,” y los ángeles aparecen con frecuencia en su obra. En la noche, cuando el jardín es alumbrado, los ángeles adquieren una calidad etérea que añade enormemente a la belleza misteriosa del espacio.
Hiroshi Sueyoshi creó una fuente burbujeante de cerámica para el jardín circundante que es cubierta por imágenes de relieve de plantas, flores, y caras encontradas tan a menudo en las obras de Evans. Sueyoshi es también responsable por el relieve de cerámica en la entrada del jardín que muestra a Minnie Evans en la ventana de la pequeña caseta verde de vigilancia que ella ocupó por tantos años como portera de Airlie Garden.
Karen Crouch es responsable por el maravilloso árbol de metal que crece dentro de la capilla, y Michael van Hout ha creado una bandada de pájaros de metal, que están posados en el árbol. Crouch también fabricó la maravillosa bestia con cuernos y alas justo dentro de la entrada del jardín. Esta obra se basó en el “divertido animal verde” que es característico en muchas de las pinturas de Evans, y parece ser un compuesto de clases de plantas y de animales.
Brooks Koff ocupó los talentos de los niños de la escuela para crear los muchos mosaicos de pasadera que rodean la Bottle Chapel. Brooks está también encargada del piso de mosaico de espiral de la capilla, así como el muro de contención y los bancos, que son parte del jardín.
Tejuola Turner, nacida en Detroit, fue una artista invitada por Frierson para participar en el diseño del jardín. Turner adaptó el arte nigeriano de tallar las calabazas usando las herramientas eléctricas para tallar diseños en la superficie de las calabazas. Sus temas varían de lo figurado a lo geométrico, y hasta lo serpentino. Para el proyecto conmemorativo de Evans, Turner hizo otro salto e interpretó los diseños de la calabaza en asientos triangulares de concreto que están situados en el jardín. Estas obras son profundamente talladas como las calabazas, con diseños de remolino con semejantes a los de Evans, y pintados en vivos verdes y azul- verdosos. Otros cuatro asientos triangulares son cubiertos con tejas de cerámicas, cáscaras de cauri, y piedras. Éstos brindaron lugares para el descanso de los visitantes y vista de monumento desde un lugar de sombra afuera del jardín.
La Bottle Chapel y su jardín de escultura en los Airlie Gardens se han convertido en una de las principales atracciones públicas en Wilmington. Un tributo a Minnie Evans: La Bottle Chapel en los Airlie Gardens hecho por Fred Wharton, con la introducción y el epílogo por la historiadora local, Susan Taylor Bloch, se ha convertido en la definitiva guía ilustrada del monumento conmemorativo. Publicado en 2008 por el Publishing Laboratory of the University of North Carolina, Wilmington, proporciona un minucioso informe del diseño y creación de este maravilloso atributo y tesoro artístico.
La escultura pública en el sudeste de Carolina del Norte se ha convertido en una preocupación aún mayor a medida que vamos entrando el siglo XXI. Una de sus más recientes y emocionantes manifestaciones es un programa en cual se implica la instalación temporal de esculturas en varias localizaciones alrededor de Wilmington. Es el Pedestrian Art Program es el invento del fotógrafo local, Matthew Dols, y es patrocinado por Creative Wilmington en asociación con el City of Wilmington Downtown Services y con el Mayfaire Town Center. Es un programa de esculturas públicas intentando servir como estímulo económico, cultural, y visual para la región del Condado de New Hanover.
Las esculturas son elegidas para la exhibición por un Grupo Asesor/ Comité de Selección para la colocación del Riverwalk, en las entradas de la pintoresca pasarela a lo largo de la orilla del río Cape Fear, en el histórico Post Office en North Front Street, en la raya divisoria en Front Street y Market Street, Bijuo Park localizado en la cuadra 200 de North Front Street, y en el Mayfaire Town Center. La visión del Pedestrian Art Program es “ver el arte público como integral a la estructura de una comunidad reconociendo el potencial del arte para crear ciudades habitables, elevar la identidad de la vecindad, fortalecer el desarrollo económico y el turismo, educar niños y a adultos, y de enriquecer el espíritu y orgullo de sus ciudadanos.” Más información sobre pasadas y futuras exposiciones, localizaciones y mapas se pueden encontrar en la página web del proyecto. http://www.pedestrianart.com .
Esculturas en UNCW
Últimamente, la University of North Carolina Wilmington reconoció la importancia de la escultura al aire libre como un mejoramiento para las entradas de edificios y los senderos del campus. La mascota de la universidad, el Seahawk, es visiblemente colocado en la entrada de Warwick Center en el campus, y forma el punto de enfoque para una pequeña área de jardín con asientos. La realística escultura de bronce fue creada por Joe Orlando y dada a la universidad por el Residence Hall Association .
El escultor de Raleigh, Thomas Sayre, diseñó otra obra que crea un microambiente en frente de Dobo Hall en Chancellor’s Walk. En el año 1980, con el arquitecto Steve Schuster, Sayre co-fundó Clearscapes, una firma multidisciplinaria de diseños ha creado ambientes para los museos de niños, e instalaciones médicas incluyendo un centro de cirugía oncológica ambulatoria, y también el manejo de renovaciones históricas, y comisiones de arte pública y privada. La obra de Sayre para Dobo Hall, llamada Khan’s Garden, consiste en una serie de formas abstractas inspiradas por los pasajes del poema incompleto de Thomas Coleridge, Kubla Khan; or, A visión in a Dream. La frase, “measureless to man” del poema, puede ser vista en letras de latón incrustadas en la caminata, que es parte del ambiente de jardín. Más sobre el escultor y su firma de diseño se pueden encontrar en: http://www.clearscapes.com.
Hay varias esculturas al aire libre en los establecimientos del Cultural Arts Building. Pivot, una escultura del artista Carl Billingsley fue comprada en 2008 por la facultad de Arte e Historia del Arte conjuntamente con el College de Arts and Sciences, y fue colocado en la entrada principal del Cultural Arts Building.
Otra escultura de metal de Billingsley, montada por los estudiantes de arte que trabajan con el artista, está ubicada en la entrada del ala de Presentaciones (Performance) de Artes Culturales. Este proyecto fue simultaneo con una exposición de la obra del artista en la galería de arte CAB y sus cuatros días de estadía en la facultad de Arte e Historia del Arte. Bajo la supervisión de Andi Steele, que enseña el diseño 3D y la escultura, los estudiantes pintaron la obra según las especificaciones de Billingsley.
Una obra sin título del estudiante Mike Futch, producto de un proyecto en una clase de escultura de bellas artes, está montada en la entrada del ala académica del Cultural Arts Building. Un retrato en terracota de Claude Howell, el fundador de la facultad de arte, termina la lista de las obras visibles en y alrededor del Cultural Arts Building. Este retrato está exhibido en la entrada del edificio de la galería de arte.
La renovación de Burney Center en el campus de UNCW presentó la oportunidad para una instalación escultural en el centro del vestíbulo. Hecho otra vez por los estudiantes de arte en la Clase de Escultura para Principiantes en otoño del 2007 bajo la dirección del profesor Andi Steele, la Untitled Steel Sculpture crea un enfoque maravilloso en la pared en la entrada de los salones de reunión en el edificio.
El nuevo Computer Information Systems Building tiene una escultura al aire libre, Soaring Seahawk, de Dumay Gorham. Paul Boney de Boney Association donó esta obra.
Randall Library en el campus de UNCW tiene varias de las esculturas de Michael van Hout, incluyendo un grupo de peces hechos en alambre colgados en la escalera principal y una jirafa y una cebra en alambre bajo la claraboya. Michael van Hout es un artista de Wilmington que ganó su B.F.A. de la University of North Carolina, Greensboro en 1979. Usando materiales encontrados como, alambre, una hoja de metal y cobre, Van Hout fabrica maravillosas esculturas metálicas de animales y de la vida marina. La obra del artista es generalmente elogiada por su enorme variedad mientras que él explora las muchas posibilidades de forma, de escala y de colores encontrados en sus modelos del reino animal. Él también se ha imaginado y realizado varias instalaciones importantes en los Acuarios de Carolina del Norte en Fort Fisher y Pine Knoll Shores.
Pintura, Grabados, y Artesanías de los Siglos XX y XXI
Aunque Wilmington ha tenido su parte notable de pintores desde su fundación en 1739, esta categoría de las artes visuales experimentó un crecimiento exponencial en el siglo veinte. En las últimas décadas, la ciudad se ha convertido en un refugio para muchos pintores en una amplia variedad de medios. Sin embargo, ha habido un número de figuras en la primera parte del siglo que merecen consideración.
Entre los artistas que vivieron y trabajaron en la región estaban Elizabeth McGee Breazeale (d. 1927) y Mary Lyde Hicks Williams (1866-1959). Nativa de Mt. Olive, Breazeale mantuvo un estudio activo y dirigió la vida artística de su ciudad natal. Su pintura de Rebecca at the Well, en una colección privada sugiere que ella estuviera interesada en temas bíblicos. La carrera de Mary Lyde Hicks Williams, originalmente de Faison, realmente tuvo un lapso de dos siglos. Pasó la mayor parte de su adultez en Raleigh, donde pintó los retratos de los juristas y filántropos, que adornan las paredes del capitolio. Su obra también se representa en el Confederate Museum of Richmond, Virginia. Aunque retratar parece haber sido su punto fuerte, ella pintó un número de imágenes que representaban la vida de afro-americanos en las plantaciones sureñas. Una de esas obras titulada Corn Shucking in the Moonlight está en la colección del North Carolina Museum of History. Pinturas tales como ésta vinculaban firmemente a Williams con la vida en la plantación antes de la Guerra Civil, en la cual ella nació demasiado tarde para experimentarla.
Margaret Walthour Lippitt (1872-1964) vino a Wilmington en 1894 para vivir en casa de la familia Lippitt en South Second Street. Cuando la profesión del esposo los llevó a Europa temprano en el siglo veinte, ella mantuvo un estudio en Bremen, Alemania; ella estudió más adelante grabado en París. Después de la muerte de su marido en 1934, Lippitt fue a vivir a Nueva York. Durante su tiempo en Wilmington, ella conoció a Elisabeth Augusta Chant, y las dos mujeres se hicieron íntimas amigas. Los dibujos de los estudiantes de Lippitt fueron encontrados en las vigas del St. John’s Logde cuando fue restaurado.
Margaret Lippit animó a un joven de Wilmington llamado Vollian Burr Rann (1904-1956), quien más tarde adquirió membresía en la National Academy of Art in New York City. Rann eventualmente se instaló en Nueva York, pasando allí inviernos y veranos en Provincetown, Massachusetts. Su reputación se basaba en sus escenas costeras de Nueva Inglaterra y sus retratos fuertemente pictóricos, que incluyen uno del autor Eugene O' Neill. De hecho, Rann fue elegido presidente del “Beachcombers Club” del cual O' Neill fue miembro. Fue un famoso bar para los destacados artistas y escritores de Nueva Inglaterra. En sus visitas frecuentes a Wilmington, Rann pintó retratos de Elisabeth Chant (c 1925) y Bishop Thomas C. Darst (C. 1935), ambos en la colección de Louise Wells Cameron Museum.
Samuel Brown, Jr. fue otro “wilmingtoniano” que, como Rann, fue destinado a buscar su fortuna lejos de su ciudad natal. Brown nació en 1907 y se mudó con su familia a Philadelphia en 1917. Él se graduó de Pennsylvania Museum and School of Industrial Art (ahora Philadelphia College of Art) en 1930, y más adelante recibió su titulo de máster en bellas artes en la Universidad de Pennsylvania. El director del museo de Philadelphia, Fiske Kimball, eligió a Brown para trabajar en el Public Works Arte Project - PWAP para Philadelphia en 1933. El artista fue uno de los pocos afro-americanos que participaron en el programa nacional de arte. Después de la Gran Depresión, Brown gozó de una carrera larga y productiva en Philadelphia y Camden, New Jersey como profesor de arte en los colegios técnicos de esas ciudades, y finalmente se jubiló en 1971. Sus pinturas tales como El Lynching, c. 1934 (Philadelphia Museum of Art), cayeron en la categoría del comentario social, y tratan con franqueza la desigualdad de trato hacia los afro-americanos en los Estados Unidos.
Ruth Faison Shaw, nativa de Kenansville, que consideraba a Wilmington como su hogar, pasó la mayor parte su carrera fuera del sudeste de Carolina del Norte. Después de la Primera Guerra Mundial, durante la cual ella sirvió en el Y.M.C.A. en Francia, se fue a Roma donde mantuvo un estudio y una escuela para los niños británicos y americanos por diez años. Pronto después de volver a América, ella inició el Shaw Finger Painting Studio en Nueva York. Su libro sobre el tema, publicado en 1934, se convirtió en la base para la sicoterapia y el análisis juvenil. En 1959 Shaw aceptó una posición con la facultad de psiquiatría en el Memorial Hospital in Chapel Hill, donde la pintura de dedo fue utilizada como herramienta de diagnóstico. Las contribuciones de Shaw al arte, la educación, y la ciencia médica enriquecieron no solamente al Lower Cape Fear, sino también a la sociedad en su totalidad. Una de sus propias pinturas de dedo, Fantasia (1941), en una colección privada, fue creada para su joven sobrina después de ver la película de Walt Disney del mismo título.
Elisabeth Augusta Chant (1862-1947), aunque no era originalmente del Sur, ejerció una tremenda influencia en su comunidad adoptiva. Ella llegó a Wilmington en 1922. En su libro Two Centuries of Art in New Hanover County (1976), Crockette Hewlett escribió que Chant era “una anciana reservada y tranquila, quizás con una apariencia un poco no convencional, pero al verla, sin duda nadie hubiera creído el impacto que ella tuvo sobre la ciudad que había elegido como su nuevo hogar.” Una vez acomodada en la vieja bodega ubicada en Cottage Lane, la que ella transformó en su estudio, ella se hizo asesora de una gran generación de artistas en Wilmington, incluyendo a Henry y Helen MacMillan, Claude Howell, Hester Donnelly, Delbert Palmer, y Peggy Hall. El carisma reservado de Chant energizó la escena de arte de Wilmington, y a menudo hablaba de su intención de fundar una colonia de arte aquí. En 1923, ella fue muy importante en la formación de la Art League, que se convirtió en una fuerza movilizadora en la vida social y artística de la ciudad por algunos años. Cuando ella no hacía campaña por el arte, Chant ejerció una carrera en la pintura. The Levis Hart Wine House, en la cual ella pintó y enseñó, el lienzo fue su tema preferido. Entre las obras más populares de Chant en la colección permanente en el Louise Wells Cameron Museum están Parsifal, c. 1907 y Live Oak, Pelican Point, c. 1925.
Irene Price (1900-1971), antes una maestra de Wilmington, estaba estudiando en la Corcoran School of Art en Washington D.C., cuando Elisabeth Chant le animó a realizar su sueño de ser una pintora de retrato de tiempo completo. Price, que pintó por un tiempo en el estudio de Chant, pronto estableció su propio estudio, y también les enseñó a muchos de los estudiantes previamente de Chant. Entre 1931 y 1936, Price mantuvo el Art Center en la esquina de Front Street y Chestnut Street donde ella continuó la tradición de la ya semi-jubilada Chant. Eventualmente, partió de Wilmington para Raleigh, y más adelante para Blowing Rock, NC, donde trabajó exitosamente como retratista. Price hizo retratos de muchas personas destacadas de Carolina del Norte. Dos de sus obras, el Interior of Elisabeth Chant’s Studio and Still Life With Japanese Magnolias, están en la colección permanente del Cameron Museum en Wilmington.
Otro estudiante de Elizabeth Chant, Henry Jay MacMillan, jugó un papel importante en la historia cultural del Lower Cape Fear. Nació en Wilmington en 1908, MacMillan salió de su ciudad natal a la edad de dieciocho años para estudiar en New York School of Fine and Applied Art. Después de varios años viajando y estudiando en Europa y América, se hizo diseñador de interior en Nueva York y Washington, una carrera que él ejerció por los siguientes siete años. Cuando volvió a Wilmington comenzó a involucrarse en el mundo del arte a lo largo y ancho del estado, mientras que aspiraba ser un artista independiente. En una de sus primeras exposiciones, él y Claude Howell exhibieron su obra en el Hotel Cape Fear en abril de 1938. En el mismo año, MacMillan se impulso en la vida artística en su lugar de nacimiento con una campaña activa por la creación del Wilmington Museum of Art. Cuando se abrió en noviembre, él fue nombrado director de la escuela de arte del museo. Durante la Segunda Guerra Mundial, mientras que servía su país, MacMillan produjo una serie de acuarelas. Al terminar su servicio militar, estudió en Art Students League en Nueva York, y enseñó dibujo y pintura durante diez años en la Parsons School of Design. En 1956, MacMillan regresó a Wilmington y fue una fuerza importante en la vida cultural de la ciudad hasta su muerte en 1991. En su obra, él se concentró en retratos, paisajes y flores. El Portrait of Boot, C. 1940, en la colección de Cameron Museum, es un estudio en colores pastel de una joven mujer afro-americana.
Hester C. Donnelly (1912-1992), otro nativo de Wilmington y un contemporáneo de Henry MacMillan, también desempeñó un papel significativo en la historia cultural del área. Ella estudió con Elisabeth Chant e Irene Price. Donnelly incansablemente promovió las artes en Wilmington. Con Virginia Hamilton MacQueen, ella fue co-directora de la Artists’ Gallery. Enseñó clases de arte por muchos años en el St. John Museum, y sirvió como presidente de la Wilmington Art Association.
De todos los artistas contemporáneos nacidos en Wilmington, quizás Claude Flynn Howell (1915-1997) ha ganado el mayor reconocimiento. Al igual que muchos otros, Howell comenzó su entrenamiento bajo la dirección de Elizabeth Chant e Irene Price. Él estudió con otros artistas en Nueva Inglaterra y Woodstock, NY, ganó una beca de Rosenfeld en 1948, que le permitió un año de estudios en Nueva York, y continuó su experiencia con un año en París y otro viajando por Europa.
En 1956, después de enseñar una clase nocturna de arte en Wilmington College, le pidieron que estableciera una facultad de arte. Cuando la institución se convirtió en la University of North Carolina, Wilmington, Howell presidió la facultad, la cual fue autorizada más adelante en otorgar una licenciatura en artes creativas. En 1970, Howell inauguró un archivo de arte y de los artistas de Carolina del Norte en la universidad. El proyecto fue financiado por el North Carolina Arts Council en 1974, y ha continuado creciendo y ganando una reputación nacional bajo la dirección del personal de Randall Library en UNCW.
Además, Howell sirvió como miembro de la North Carolina Arts Society en el consejo consultivo, como presidente del Visual Arts Panel en el North Carolina Arts Council, y como miembro de la junta directiva del St. John’s Museum of Art. Como pintor, Howell adquirió una reputación internacional, que para darle justicia se requeriría mucho más espacio que lo disponible aquí en este texto
Sus pinturas de iluminadas escenas marítimas y de la vida costera en Carolina del Norte son demostraciones insuperables de una habilidad para captar la esencia del género con un estilo único que es rústico y, al mismo tiempo, sofisticado. Un gran número de obras de Howell pueden ser encontradas en las colecciones del Louise Wells Cameron Museum y la University of North Carolina, Wilmington, así como en muchas colecciones privadas en toda la región.
Ningún ensayo que trate de arte o de historia cultural puede ser escrito sin incluir las contribuciones de Minnie Evans (1892-1987). Por más de veinticinco años ella fue portera de Gardens Airlie, y ocupó su tiempo haciendo dibujos basados en sus visionarias experiencias religiosas. Evans no se acopló en lo establecido por el arte americano del siglo veinte. Su falta de educación formal, y una vida sin las ventajas culturales de la clase media y alta de la sociedad, la dejaron esencialmente ignorante de las mayores tradiciones artísticas en el mundo del arte. Ella perteneció a la tradición vernácula de la pintura. Su obra fue inspirada en sueños episódicos y visiones basadas en fuertes convicciones religiosas.
Desde su muerte en 1987, su arte ha sido reconocida más allá de los límites locales y del estado como expresión importante de la experiencia rural de los afro-americanos del Sur. La mayor parte de sus obras son anónimas, pero no menos impactantes por la carencia de títulos descriptivos. Muchas de sus pinturas incluyen complejos diseños florales coloridos, formas de animales, e imágenes parecidas a máscaras, que se relacionan a su amor por la flora y fauna de Airlie Gardens, también como máscaras Africanas y esculturas de su herencia étnica.
Los ejemplos de sus pinturas y dibujos en creyón se pueden encontrar en el Louise Wells Cameron Museum, y en los hogares de muchos “wilmingtonianos” que la conocían durante su tiempo en Airlie Gardens. Las obras de Evans también han formado cada vez más parte de grandes colecciones en América y en el exterior, incluyendo el Museum of Modern Art of New York.
En estos últimos años, Wilmington y el sudeste de Carolina del Norte han continuado beneficiándose de la presencia de artistas de gran talento. Algunos son nativos del área, mientras que otros han venido a la región persiguiendo profesiones en el arte, o como pasión por el arte fuera de sus profesiones regulares. Muchos son miembros de la Wilmington Art Association, u organizaciones de artistas de condados circundantes. La verdad es que las historias individuales de sus logros requerirían demasiado espacio en tan breve informe. Por lo tanto, solamente algunos de los artistas más prominentes, cuyas contribuciones son reconocidas en toda la comunidad, pueden ser mencionados.
Sam Bissette (1921-2005) nació en Wilson, NC, pero vivió en Wilmington a partir de 1936 hasta su muerte. Sus intereses eran muchos e incluían la astronomía, fotografía, y la historia de Carolina del Norte. La profesión de Bissette fue de bancario, pero en 1970, él comenzó a pintar y eligió acuarelas como su medio principal. Durante los años el artista sirvió como miembro del consejo de la administración del North Carolina Museum of Art, director de la North Carolina Art Society, director de la North Carolina Watercolor Society, y presidente de Saint John’s Museum of Art en Wilmington. La American Society y la revista American Artist han reconocido la obra de Bissette nacionalmente.
Su obra es representada en colecciones en cuarenta y siete estados y un número de países extranjeros. Además de su maravillosa escena de vida en la acuarela en todo el Tar Heel State, y la representación de la historia de Carolina del Norte, Bissette es reconocido en Wilmington como el diseñador de las escenas de mosaico, que decoran las entradas del almacén original de Belk en Westfield. Dos de sus mayores preocupaciones, fueron la ciencia y la fotografía, que lo condujeron a la creación de la exposición de sesenta pinturas, El Universe According to Earth (1989), representando objetos y principios astronómicos así como la ciencia del espacio, que él eventualmente donó a la University of North Carolina, Wilmington. Esta serie está ahora en exhibición en Dobo Hall. Images from the Micro World (1991), es una serie de treinta y cuatro pinturas y dibujos basada en la observación microscópica del artista de los químicos y objetos de la casa que él fotografió. Esta colección también fue donada a la universidad, y está en exhibición en el área de las oficinas de la facultad de Watson School of Educación. El hijo de Bissette, David, mantiene una detallada página web que caracteriza la obra del artista:http://sambissette.com/.
Ana Conner es otra de los artistas más destacados de Wilmington. Ella ha sido miembro de la facultad de Arte e Historia del Arte en UNCW desde 1974. Conner adquirió su M.F.A. en UNC-Chapel Hill, y regresó a su ciudad natal para hacerse uno de los primeros miembros de la recién establecida facultad, presidido por Claude Howell. Durante los años, Conner ha enseñado varias clases de dibujo y de pintura, ambas para principiantes y avanzados. Uno de sus propios cursos en dibujo conceptual se ha convertido en uno de los favoritos de los estudiantes en los últimos años, y esto se debe al impulso creativo personal de Conner. La artista trabaja ante todo en la impresión, usando la madera no puesta en peligro de extinción como la base para su grabado en la madera. Empleando el mismo veteado de la madera como parte de su composición, Conner crea piezas conceptuales brillantemente coloreadas. Sus imágenes son definidas por la abstracción bien demarcada, el color y la forma, que crean patrones intrincados y sofisticados, alguna vez simétricos, y otras no, impresos en una variedad de texturas de papeles. Conner dice lo siguiente sobre su obra: “Trabajar en el grabado de madera es siempre un desafío ya que el veteado de la madera es tan cautivador. Mis grabados en madera son, de muchas maneras, en respuesta a esto (el veteado). Me gusta tallar en la madera natural y plana, sin embargo usando el tallador eléctrico de alta tecnología, o el láser. El grabar en madera es la forma más vieja de grabado, y continúa teniendo importancia para mí”.
La obra de la artista ha sido ofrecida en muchas exhibiciones con jurados a nivel nacional e internacional. Las recientes exposiciones incluyen a Troisiéme Triennale du Bois Gravé Contemporain, Musée Pierre Noël, Saint-Dié-des-Voges, Francia, 2007; Westwood and Other Recent Works, Flatbed Press, Austin, TX, 2007; North America Print Biennial, Boston, 2007; New Editions 2006/Summer: COLOR, International Print Center, NYC; New Editions 2005/Winter, IPCNY; 79th Annual Print Competition at the Print Center in Philadelphia, PA in 2005; Cool Intentions, SomerHill Gallery, Chapel Hill, NC 2004; y Logs + Park, Trish Higgins Fine Art, Wichita, KS, 2002. Conner también ha creado ediciones de colaboración en Flatbed Press en Austin, TX, el Grenfell Press en la ciudad de Nueva York, y en el Center Street Studio, Boston.
Su obra es representada en más de cuarenta museos importantes y colecciones de impresión corporativa en los EEUU incluyendo a Philip Morris NY; IBM; Citigroup, NY; New York Public Library; Museum of Fine Arts, Boston; The Library of Congress; Crédit Suisse First Boston, Londres; RJR Nabisco; Chemical Bank, NY; y Ackland Art Museum, Chapel Hill, NC, el Cameron Museum, Wilmington, NC, y Randall Library, UNCW. Más sobre el artista y los ejemplos de su obra se pueden encontrar en la página web Creative Wilmington en: http://www.creativewilmington.com/member_detail.php?id=822.
Elizabeth Darrow ha sido una figura prominente en el círculo de artistas de Wilmington por muchos años. Aunque la pintura es uno de sus medios principales, ella es particularmente bien conocida por sus collages. Darrow se ve a si misma trabajando en la tradición del expresionismo abstracto, y se concentra en el proceso de crear. Sus obras revelan una capa compleja de color y de brochazos que finalmente se desarrollan en imágenes que la satisface visual y estéticamente. Ella dice, “Mis pinturas, así como los collages, surgen del proceso en sí, más que de cualquier plan preconcebido.”
La artista ha ganado numerosos galardones, y su obra es representada en muchas colecciones privadas y públicas incluyendo: SAS Institute, Research Triangle Park, NC, Duke Hospital, Durham, NC, R.J. Reynolds, Winston-Salem, NC, y Cameron Museum en Wilmington, NC. Darrow mantiene una Página web en: http://www.elizabethdarrowart.com/.
Harry Davis ha sido importante en la escena del arte local y del estado durante mucho tiempo, y en los últimos veinte años o más se ha convertido en un nombre familiar entre los pintores nativos del sudeste de Carolina del Norte. Davis es un artista autodidacta con una habilidad natural asombrosa. En su ciudad natal de Wilmington, desde niño él comenzó a dibujar y hacer bosquejos. Después de un accidental tiroteo en 1970, mientras que estaba en el 82nd Airborne Division of the U.S Army, él encontró su medio curativo y su expresión personal en la pintura de óleo. La atención a los detalles, y los colores brillantes y fuertes son algunas de las características típicas de sus obras cuyos temas varían desde lo tribal africano, al boxeo, a los músicos y celebridades afroamericanas, y las llamativas imágenes dibujadas de la tradición religiosa afroamericana.
Óleos originales, obras de serigrafía (hand-pulled serigraphs), e impresiones Giclée están disponibles para la venta en su página web, y muchos de sus obras están ya en las colecciones privadas de actores y otras figuras públicas en toda la nación. La Randall Library, en el campus de UNCW, ésta orgullosa de tener una obra reciente y original de Davis en su colección. En un artículo no identificado de las noticias, Davis dice de su obra, “No estoy intentando decir cualquier cosa filosófica ni profunda en mis pinturas.....pero si cualquier persona que ve mi obra y percibe un mensaje o una declaración, entonces por lo menos sé que han sido afectados de cierta manera. Eso es todo lo que un artista puede pedir.” Más sobre la obra y los logros de Davis se pueden obtener en su página web: http://www.davisartstudio.com/.
Donald Furst ha sido miembro de la facultad de Arte de UNCW desde 1985, y también ha servido como presidente de la facultad de Arte e Historia del Arte. El artista es un grabador (printmaker) especializado en el mezzotinto (grabado en negro) y otras formas de grabado intaglio. Furst obtuvo su M.A. y M.F.A. en grabado con Mauricio Lasansky, University of Iowa, 1977, 1978, y enseñó en dos otras instituciones de educación superior antes de venir a Wilmington. Aunque él ha experimentado con un número de procesos de grabados, el mezzotinto parece ser su favorito.
Furst se concentra en las imágenes con texturas oscuras, texturas suntuosas en tonos aterciopelados que conducen el ojo desde los oscuros interiores hacia espacios brillantemente encendidos. Otras impresiones se enfocan en las escaleras y las escaleras portátiles que no tienen lugar verdadero en el tiempo ni el espacio, pero sugieren destinos misteriosos y desconocidos. En ambos casos, los ambientes diarios dan al espectador una sensación de comenzar un viaje, o estar atrapado entre dos estados de ser, que pueden o no encontrar la última resolución. La declaración propia del artista, “Hay misterio en lo mundano,” puede dar alguna idea en cuanto a su intención.
Furst ha recibido los siguientes reconocimientos por su enseñanza: University of North Carolina Board of Governors Award for Excellence in Teaching, 1999; University Distinguished Professorship, UNCW, 1996-98; Board of Trustees Teaching Excellence Award, UNCW, 1996; College of Arts and Sciences Excellence in Teaching, UNCW, 1992. Él ha recibido dos veces la North Carolina Visual Artists Fellowship, la primera en 1996, y la otra en 2007. También le concedieron el North Carolina Arts Council Artist’s Project Grant en 1994.
El artista ha mostrado sus obras en numerosas exhibiciones a nivel nacional e internacional, incluyendo el International Print Triennial, Krakow, Polonia; Norwegian International Print Triennial; Sapporo International Print Biennial en Japón, el Macedonia International Print triennial, y la British International Miniature Print Exhibition. La obra de Furst es representada en muchas colecciones privadas y públicas, y en colecciones de museo tales como el de Fogg Art Museum; Harvard University, Cambridge, Massachusetts; Nelson-Atkins Museum, Kansas City, Missouri; State of Hawaii Foundation on Culture and the Arts; Pratt Graphics Center, New York; The Cameron Museum, Wilmington, NC, y la colección de Randall Library, UNCW. El artista también dirige actualmente a Ars Longa Press, un taller de impresión fina. Los ejemplos de su propia obra se pueden ver en la página web Creative Wilmington: http://www.creativewilmington.com/member_detail.php?id=102%0D
Ivey Hayes, nació y se crió en el este de Carolina del Norte, obtuvo un B.A. de North Carolina Central University, y un M.F.A. de la University of North Carolina, Greensboro. Su empeño y la perseverancia han sido pagados con más de treinta años en la profesión del arte, que le ha dado a Hayes un alto reconocimiento en la escena regional y nacional. Su obra se ha exhibido en todo el estado y en exposiciones en la ciudad de Nueva York, Brooklyn, NY, y la Washington D.C.
Hayes ha desarrollado un estilo, en el cual acentúa los colores brillantes y está lleno de expresión y de movimiento. Sus acuarelas realistas tratan de escenas del área donde creció, pero sus más recientes acrílicos son marcados con colores fuertes, que retratan escenas rurales del área de embarque e imágenes más abstractas de la gente en movimiento. La América rural, las escenas costeras, bailarines y músicos, y temas religiosos son también los temas de Hayes. El artista vende a precios altos sus acrílicos originales, pero su obra está también disponible en la forma de impresiones giclée de una variedad de fuentes. Hayes afirma, “Mi pintura característica refleja las experiencias de la vida. Esto demuestra quién soy realmente...… mi corazón y mi alma.” Para más información sobre Ivey Hayes consulte su página web: http://www.iveyhayesart.com/.
Billie Ruth Sudduth, una artista de mucho reconocimiento en el mundo de la artesanía, comenzó su carrera en el arte mientras vivía en Wilmington. Ella comenzó con una clase haciendo cestas en 1983, mientras que trabajaba como psicóloga de New Hanover County School System. Para 1989, Sudduth se había involucrado tanto en la elaboración de las canastas que dejó su primera carrera para establecer una segunda, y nunca miró hacia atrás. La artista descubrió la obra del matemático del decimotercer siglo, Fibonacci, mientras enseñaba una clase de “Math in a basket” (La Matemática en una Canasta) en una escuela primaria (sexto y séptimo grados). Fibonacci descubrió que ciertas proporciones ocurren regularmente en formas naturales tales como los espirales en las conchas marinas, y los patrones en flores y hojas. Sudduth incorporó los números de Fibonacci y “La Secuencia Natural” en el diseño de sus cestas, creando un estilo único que atrajo la atención de coleccionistas y administradores de museos.
Las obras de la artista se incluyen en muchas colecciones corporativas, privadas, y de museos incluyendo Renwick Gallery of the Smithsonian Institution, the Museum of Art and Design en Nueva York, y el Asheville Art Museum en Carolina del Norte. La experiencia en enseñanza de Sudduth abarca clases y talleres enseñados en Penland School of Craft en Carolina del Norte, Arrowmont School of Arts and Crafts, Gatlinburg, TN, la Renwick Gallery of the Smithsonian Institution, de Washington, D.C., y nuestro propio Cameron Museum en Wilmington. Las exposiciones incluyen múltiples aceptaciones de jurados para el Smithsonian Craft Show, Washington, D.C., así como numerosas invitaciones a exposiciones regionales y nacionales.
En 1997, la artista fue la primera mujer en recibir el North Carolina Living Treasure Award patrocinado por UNCW. Billie Ruth Sudduth dice “Ella siente que uno de sus aportes al campo ha sido llevar sus canastas del suelo hasta el pedestal (museo).” Ella describe sus cestas como “hechas para sostener su interés, no sus objetos.” Más sobre la obra y las realizaciones del artista se pueden encontrar en su página web: http://www.brsbasket.com/.
Hiroshi Sueyoshi es uno de los verdaderos tesoros de la región. Ganador del North Carolina Living Treasure Award en 2006, entregado por la University of North Carolina, Wilmington, Sueyoshi ha influenciado las vidas de varias generaciones de artistas de cerámica en el sudeste de Carolina del Norte. Nacido en Tokio, Japón, el artista ha estudiado extensivamente con maestros de cerámica japonesa tales como Masanao Narui, Daisei-Gama en Mashiko, Japón, y Teruo Hara del grupo Kobo en Warrenton , VA. Sueyoshi por sí mismo ha logrado el estatus de un maestro en la tradición oriental de la cerámica y de la porcelana en una carrera que abarca más de treinta años en Carolina del Norte. Él ha trabajado con Seagrove Pottery como un alfarero de producción y con el Sampson Community College en Clinton como instructor de cerámica. A partir de 1976 hasta 1980 él trabajó como artista visitante en Wilson County Institute y en Cape Fear Community College en un programa patrocinado por North Carolina Arts Council. Recientemente Sueyoshi ha enseñado en Cape Fear Community College en un programa patrocinado por North Carolina Arts Council. Él es actualmente el “Artist in Residence” en el Pancoe Art Center of the Louise Wells Cameron Museum en Wilmington, NC, en donde ofrece clases y talleres.
Las obras de Sueyoshi son representadas en colecciones públicas y privadas nacional e internacionalmente, y se puede también encontrar en la colección de la Randall Library en UNCW. Más sobre el artista y los ejemplos de su obra pueden ser vistos en la página web Creative Wilmington: http://www.creativewilmington.com/member_detail.php?name=Hiroshi%20Sueyoshi&id=416.
Artista de cerámica, Gayle Tustin, mantiene un estudio de 1500 pies cuadrados en Wilmington. Ella estudió cerámica en Penn State University y Alfred University en Alfred, NY, y fue la primera estudiante graduada con honores en Studio Art (Bellas Artes) de UNCW. Tustin ha recibido numerosos premios por su obra incluyendo el YWCA Woman of Achievement in the Arts, un North Carolina Emerging Artist Grant, y varias invitaciones para estudiar y trabajar en las colonias de artes internacionales en Macedonia y Alemania. Como resultado de su exposición en las colonias de arte en Macedonia, ella se convirtió en co-fundadora y co-directora del No Boundaries, Inc., la colonia internacional bienal del arte de Wilmington realizada en Bald Head Island. La obra de Tustin se ha exhibido y es representado en colecciones en todo Carolina del Norte, así como nacional e internacionalmente. Además de su obra personal, la artista ha terminado un número de proyectos de arte público que incluyen los hermosos murales Celebration of Life en el Lower Cape Fear Hospice. Tustin también ha creado tres murales figurativos en relieve para el Forsy Medical Center, Novant Health, Winston-Salem, NC, y ha trabajado con los niños del St. Mary School y Montessori en Wilmington para realizar una serie de murales monumentales de azulejo. Aunque ella es reconocida por su arte en cerámica, Tustin también trabaja con medios múltiples, óleo, y tinta de la India.
De su propia obra y proceso creativo, Tustin dice, “Me encuentro como ingeniera de ideas artísticas frecuentemente inspiradas tanto por mi viajes en el extranjero como por mis viajes locales.” Más sobre el artista se pueden encontrar en la página web Creative Wilmington: http://creativewilmington.net/member_detail.php?id=73. Virginia Wright-Frierson ha sido una parte importante de la comunidad de artistas de Wilmington desde que el esposo, Dargan Frierson se hizo miembro de la facultad en UNCW en 1977. Ella ha dibujado, pintado y escrito desde que era una niña, pero como adulto ha ampliado sus horizontes para incluir la escultura de cristal y de cemento, libros para niños, collage, linografía, murales enormes, homenajes, y la enseñanza Wright-Frierson ganó el titulo de B.F.A. en pintura de la University of North Carolina, Greensboro, y continuó sus estudios en Cortona, Italia, Nueva York y Arizona. Ella ha demostrado su arte en más de treinta exposiciones en el sudeste de los Estados Unidos y también en Italia, y su obra es incluido en museos privados, y colecciones corporativas. La artista ha ilustrado varios libros para niños, incluyendo: A desert Scrapbook, An Island Scrapbook, y A North American Rainforest. Wright-Frierson ha terminado numerosas comisiones públicas, incluyendo un mural en Columbine High School, un año después de los tiroteos allí en 1999. Su diseño fue elegido por un panel formado por padres, profesores, y estudiantes, y un consenso de los arquitectos, para cubrir el techo del nuevo atrio que tomó el lugar de la cafetería preexistente. El mural se compone de 20 lienzos de acrílico, incluyendo una parte central de 20 x 24 pies, ajustado a los paneles suspendidos. Los murales forman una vista desde arriba de algunos árboles indígenas que se levantan dando al espectador la sensación de estar profundamente dentro de un bosque iluminado. El efecto es muy similar a la dramática perspectiva de muchas pinturas de techos barrocos europeos del siglo XVII.En 2002, la artista ganó una comisión de Savannah College of Art and Design para su exposición “In Response: Memorial Commissions. A Memorial Tribute Exhibition Honoring the Victims and Heroes of September 11.” Ella también ha recibido varias comisiones de organizaciones locales incluyendo Wilmington Public Library y el Wilmington Children’s Museum. El mural para este último es especialmente interesante porque está en el mismo salón del mural Masónico sobre la chimenea en el St. John’s Lodge, atribuido a J.J. Belanger a principio del siglo XIX El mural de Wright-Frierson, con sus temas de colinas, ríos, y paisajes forestales en ambos costados de las paredes, crea un nuevo ambiente para el otro mural, y una conexión interesante con él puesto que su río y cadena de montañas parecen fusionarse con los del centro de la pintura del siglo diecinueve.
La obra pública más popular de Wright-Frierson, el Minnie Evans Bottler Chapel en el Airlie Gardens, es discutida arriba, bajo escultura pública. La artista habla de su motivación e impulso creativo, “Seguiré dibujando, pintando y escribiendo siempre y cuando tenga la capacidad de recordar.” Información adicional sobre la artista y su obra se puede encontrar en su página web: http://home.att.net/~vmwf/.
Instituciones y Promotores del arte
Instituciones
Muchos grupos de arte y asociaciones han sido creados en el siglo XX para apoyar y promover las artes visuales. Sin la ayuda de ellos, los artistas tal vez hubieran luchado en aislamiento por su reconocimiento. Estas instituciones han enriquecido grandemente la cultura de la región, y continúan proporcionando apoyo para el desarrollo de las artes visuales.
El Wilmington Chapter of the North Carolina Sorosis, un club de mujeres, fue uno de los primeros grupos en tomar interés en las artes visuales. Organizado en 1895, fue compuesto por tres departamentos--- ciencia del hogar, literatura, y arte. El departamento de arte estaba dedicado a la promoción del arte visual en las escuelas públicas, y al desarrollo y aprecio del arte entre sus miembros. Por ejemplo, cuando Ruth Faison Shaw fue la presidenta del departamento de arte de Sorosis entre 1911 hasta 1913, ella ofreció un estudio del arte griego, y proporcionó lecciones de dibujo para los miembros y los ciudadanos interesados. Durante los años 30, The North Carolina Sorosis patrocinó una exposición al estado celebrada en Wilmington, comenzando la anual North Carolina Exhibition, la cual viajó por todo el estado. El club de mujeres ejerció una enorme influencia en la comunidad. Por ejemplo, el Penny Art Fund, comenzado por la señora. Arrington, le dio a New Hanover High School su primera pintura original en óleo, un paisaje marino hecho por el artista de Nueva York, Frederick Waugh. Wilmington Sorosis continúa hoy con la ayuda activa de programas de artes visuales accesibles a la comunidad.
La Art League fue fruto del interés de Elisabeth Chant en crear una colonia de arte en Wilmington. La primera reunión fue celebrada en el hotel de Orton el 19 de julio de 1923, con una asistencia de cincuenta personas. La organización montó inmediatamente una exhibición de arte para la Southeastern Fair en octubre de 1923, que fue llevada a cabo en la terraza de Greenfield. Después de varios años de reunión, en los estudios de Orton, la señora Chant, y un número de exposiciones locales en varios lugares, la liga desvaneció y dejo de existir.
En 1937, Ethel Williams propuso un museo de arte para Wilmington bajo el argumento de que la ciudad estaba a cien millas de cualquier otro museo de arte, tenían algunos de los artistas más dedicados del estado como residentes, y por mucho tiempo había sido un lugar de acopio de los artistas visitantes. Williams, historiador de arte, despertó el interés del consejo de la ciudad y aseguró una promesa de ayuda financiera. Una campaña para recaudar fondos de $5000 fue lanzada, y Elisabeth Chant escribió una carta al periódico en apoyo del concepto de un museo para Wilmington, afirmando que sería “un paso adelante en la cultura.” La campaña fue un éxito, y el 31 de octubre de 1938, el primer museo del arte de Wilmington abrió en una transformada sala fúnebre. El museo también recibió ayuda de Works Progress Administration, que había ayudado a fundar los centros de arte en Greenville, Raleigh, Greensboro, y Winston-Salem.
Como el primer director, Ethel Williams organizó la exposición inaugural en el nuevo museo. Fue comprendido por acuarelas americanas prestadas por el Metropolitan Museum of Art y el Boston Museum of Fine Arts. La demostración atrajo mil seiscientos setenta y cuatro visitantes y corroboró la necesidad de exposiciones de artes visuales en una comunidad creciente. Después de servir como un centro para arte y cultura por cuatro años, el museo fue forzado a cerrar el 30 de junio de 1942, con la llegada de la Segunda Guerra Mundial.
En noviembre de 1953, Wilmington Art Association fue formada como estímulo por el trabajo de sus miembros, y para la promoción del arte del Lower Cape Fear. El Cottage Lane Art Show, patrocinado por el WAA y celebrado durante el festival de la Azalea, fue el catalizador para la exposición estatal de la asociación, con jurados reconocidos que también dieron conferencias en la Wilmington College. Los miembros de esta organización también fueron responsables de la creación de la Artists’ Gallery en 1958. Hester Donnelly y Virginia Hamilton MacQueen proporcionaron la fuerza movilizadora para la creación de la galería en No. 3 Post Office Avenue. Aunque la galería fue constantemente acosada por problemas financieros, esto continuó siendo una iniciativa muy popular a los ojos de los “wilmingtonianos.” En 1962, su futuro fue asegurado con un generoso regalo de la familia de McKoy. Henry McKoy al principio arrendaba el venerado edifico de St. John’s Lodge a los artistas, y, dos años más tarde, otorgó la propiedad en memoria de su recientemente fallecido hermano James para el uso de una galería de arte.
La Wilmington Art Association sigue siendo una poderosa fuerza en la vida cultural de Wilmington. Actualmente localizada en Wilmington Gallery en New Castle en 616 Castle Street, la asociación celebra exposiciones pequeñas de arte durante el año, pero también patrocinan la Spring Juried Art Show and Sale, que todavía se lleva a cabo durante el festival de la azalea en abril. El WAA realiza otros encuentros, que contribuyen a la vida artística de la ciudad, talleres patrocinadores y crítica (de arte) para sus miembros, y los programas educativos para la comunidad. La asociación da generosas becas anuales a dos estudiantes especializados en arte en la University of North Carolina, Wilmington. También mantienen una página web que ofrece información sobre miembros, talleres, y futuros eventos. www.wilmington-art.org,
La galería de los artistas, en el viejo edificio St. John’s Lodge, se convirtió en St. John's Art Gallery, Inc. y sirvió a Wilmington por más de veinte años como su único museo de arte. Durante ese tiempo, se creó una colección de las obras hechas por artistas locales y regionales, que sirvió como base para la colección permanente de su sucesor. St. John’s Museum of Art fue el resultado de un importante crecimiento de la galería de arte situada originalmente en el edificio de St.John’s Lodge. A principio de los años 80, el anterior edificio St. Nicholas Greek Orthodox Church en la esquina de la Second Street y la Orange Street, y la histórica Cowan House en la Second Street se hicieron disponibles. Después de su compra, las estructuras fueron renovadas por la firma Ligon B. Flynn Arquitects. Los cambios importantes proporcionaron nuevos espacios para las ventas, almacenaje, aulas para el arte de estudio, y aumentó las posibilidades para el cambio de exposiciones. Bajo su primer director, Alan Aiches, el museo continuó su colección de obras regionales, y lanzó un número de exposiciones con importancia regional y nacional. Aiches fue clave en conseguir acreditación para el museo en la American Association of Museums. El segundo director del museo, Reynolds Brown presidió la renovación de la vieja St.John’s Lodge para proporcionar un espacio moderno para las oficinas del personal del museo, salones para la exhibición de la colección permanente del museo, y un rediseño de las áreas alrededor del museo para la exposición y la instalación permanente de la escultura al aire libre.
Al principio del nuevo milenio la expansión del museo fue propuesta. Aunque varias opciones que implicaban espacios contiguos al actual museo fueron consideradas, una generosa donación de tierra de la familia de Cameron, en la intersección de South 17th y la Independence Blvd., dieron lugar al diseño de un nuevo museo. El resultado es una instalación de 42.000 pies cuadrados diseñada por la firma arquitectónica de Gwathmey Seigel y Associates de la ciudad de Nueva York. El museo se abrió en el 2002 con un nuevo nombre, Louise Wells Cameron Museum of Art. El terreno incluyen dos instalaciones: el Cameron Museum y el Pancoe Clay Studio, rodeado por Pyramid Park (nombrado por las tres claraboyas distintivas del diseño del museo). El sitio abarca 9 ½ acres de bosques con pino abeto, senderos naturales, un estanque, un campo histórico de la Guerra Civil, y lugares específicos para esculturas.
El museo en sí incluye tres áreas de exposición, un patio de escultura, una sala de charla y recepción, salón de conferencia, biblioteca de arte, tienda de regalos del museo, y un café. Bajo el actual director, Deborah Velders, el museo monta una ambiciosa serie de exposiciones temporales que incluyen bellas artes, artesanías, y diseños. Una variedad de programas públicos, incluyendo clases, conciertos, películas, literatura, y danza son ofrecidas semanalmente. Una serie regular de clases de cerámica en Pancoe Clay Studio con el artista experto Hiroshi Sueyoshi completan las ofertas del museo. El Cameron también tiene un fuerte compromiso a la educación de arte para la juventud de la región. Kids@Cam es un programa ofrecido cada tres sábados, y les provee a los niños y a sus familias con oportunidades para explorar las exhibiciones del museo y participar en actividades prácticas. “Kid” cademy es un programa de arte en la tarde después de clases donde los estudiantes jóvenes aprendieron sobre exposiciones actuales y de artistas, y participaron en proyectos de arte basados en las lecciones, y Kids@Museum Camp es un campo anual de verano basado en distintos temas para los niños del área. Visitas concertadas para los grupos de escuelas locales son otras posibilidades para la participación de la juventud. Finalmente, el Cameron ofrece visitas diseñadas especialmente para los pacientes de Alzheimer, un evento conocido como el Connections Program. Claramente, el Louise Wells Cameron Art Museum se ha convertido en un importante recurso para la comunidad de artes visuales de Wilmington y de sus condados circundantes. El Cameron mantiene su Página web http://cameronartmuseum.com/index.php.
Promotores
Entre los principales promotores de las artes en Wilmington fue The Art Council of the Lower Cape Fear, que fue establecido en 1972 como una organización sin ánimo de lucro. La misión del consejo fue “crear un ambiente en el cual los recursos culturales puedan prosperar,” y fue dedicado a “las artes vivas y al enriquecimiento de la herencia de la región de Cape Fear.” Supervisó una amplia gama de programas, incluyendo talleres de artistas, producciones de teatro, exposiciones de arte y de fotografía, y festivales para la comunidad. Una de sus principales contribuciones a la vida cultural del área fue Piney Woods Arts and Crafts Festival, establecido en el años 1970, y se celebra anualmente en el parque de Hugh McRae. Aunque la canción, la danza, y la narración fueron elementos importantes del festival, demostraciones de arte práctica (con participación del público), a igual que las exhibiciones de arte con jurados fueron el enfoque de Piney Woods. Comenzando a mediados de los 70, el consejo comenzó a publicar un boletín de noticias mensual llamado Artslink y más adelante Arts in Action, que publicaba varias actividades relacionadas con el arte para la comunidad. En los años 1980, el ACLCF inició la St.Thomas Celebration of the Arts, la cuál patrocinó los eventos de artes visuales y artes escénicas, y recolectó los fondos para la renovación del St. Thomas Church como lugar para la realización de las artes escénicas. El Arts Council también actuaba como el agente para la distribución de becas a los artistas locales del estado Grassroots, Emerging Artists and Regional Artists. Tales becas enriquecieron la comunidad local de artes proporcionando fondos a los artistas y a las organizaciones locales de arte para realizar sus metas.
En el año 1990, el ACLCF amplió sus metas nuevamente, participando en el A+ Program, una iniciativa en artes en las escuelas primarias administrada con los fondos del estado para las “Arts in Education.” Con los fondos de esta beca, las escuelas primarias de la región en el Lower Cape Fear pudieron establecer las artes como un componente principal en el plan de estudios. En 1994, el consejo entró en sociedad con UNCW para crear una plataforma de mercadeo a favor de las artes conocida como Celebrate Wilmington. Mediante este esfuerzo, la ayuda y la promoción de las existentes organizaciones culturales sin ánimo de lucro fueron realizadas más a fondo. En sus últimos años, el Arts Council trabajó para consolidar su junta directiva al incorporar a miembros importantes de la comunidad, y concentrarse en actividades para recaudar fondos con un énfasis en ayuda financiera corporativa.
El Arts Council cerró sus puertas en mayo de 2002 como resultado de una baja en los ingresos del Piney Woods Festival y la pérdida de ayuda financiera de la ciudad y del condado durante un descenso económico nacional.
Mirando el vacio que se dejó después de la desaparición del Arts Council, el consejo de la ciudad de Wilmington designó The Arts and Cutltural Affairs Task Force en septiembre de 2002 para buscar apoyo de los ciudadanos y maneras de apoyo a las organizaciones de las artes visuales a través de la comunidad. El resultado fue el nacimiento del sucesor del Arts Council, The Greater Wilmington Arts and Cultural Alliance (GWACA), formado en 2004. Desde su inicio, GWACA ha tenido un impacto en los círculos de arte de Wilmington. En el 2004, trabajó con el Cape Fear Museum para dirigir la beca patrocinada por el estado, Grassroots Arts Grants. Un total de $40.968 fue concedido a 16 organizaciones de artes y al programa Regional Artists Grant. En 2005, proporcionó tres talleres de entrenamiento para la escritura y manejo de becas del estado, y el próximo año solicitó el estatus de “sin ánimo de lucro” para la ayuda a las artes y actividades culturales en Wilmington y sus alrededores.
Durante los últimos años, GWACA ha estado muy involucrado con la planificación y la implementación de programas de artes y de oportunidades en Wilmington y las regiones circundantes. Ha patrocinado una serie de eventos mensuales para establecer contactos y promover la comunicación entre comunidades artísticas y culturales; ha continuado su sociedad con el Cape Fear Museum para administrar Grassroots Arts Grants; ha trabajado en sociedad con la University of North Carolina en Wilmington para examinar la calidad de miembro y para identificar el continuo interés en la enseñanza. GWACA promueve las oportunidades de entrenamiento de Business Smarts for the Arts, programa ofrecido en la UNCW’s Division for Public Service; y continúa abogando junto con Arts North Carolina por el financiamiento estatal que sirve para apoyar diversas organizaciones locales de artes.
EL North Carolina Arts Council patrocina GWACA con el financiamiento del estado de North Carolina and el National Endowment for the Arts, organizaciones que comparten la misión de apoyar la calidad de artes y actividades culturales en Wilmington y sus alrededores. Información adicional sobre las actividades The Greater Wilmington Arts and Cultural Alliance pueden encontrase en su pagina web www.gwaca.org.
Uno de los más nuevos y más importantes promotores del arte en Wilmington es CreativeWilmington.com, una fuente en línea de las artes que “está trabajando para lograr una amplia comprensión del público y apreciación para el positivo impacto que juega las artes en enriquecer la vida cultural, económica, e intelectual en nuestra comunidad”. El director ejecutivo, Matthew Dols y su comité proporcionan una red de información y recursos de las artes, que conecta todos los sectores de la vida de la comunidad, y son accesibles para el público en general. Su meta fundamental es ampliar el acceso público, la apreciación, la participación, y la educación en las artes y la cultura del sudeste de Carolina del Norte. Creative Wilmington.com es diseñado como una medida, de uso fácil para conectarse y que permite a los miembros de la comunidad de las artes en la región tener el control sobre la dispersión de su propia información, y tener la capacidad para aumentar la visibilidad de las artes manejando su propio contenido. Más sobre esta innovadora y avanzada página web se encuentra en http://www.creativewilmington.com.
Wilmington no es la única comunidad en el sudeste de Carolina del Norte con una historia de las organizaciones de artes. Muchos de los condados circundantes de New Hanover tienen un próspero y vigoroso Arts Council que son apoyados por becas del estado y contribuciones locales. El movimiento del consejo de las artes también continúa creciendo en todo el estado, como es claro en el muestreo de los condados en el sudeste de Carolina del Norte mencionado abajo.
Condado de Brunswick
El Brunswick County Arts Council, establecido en 1981, está localizado en Supply, NC, y actúa como la fuente primaria de financiamiento e información sobre las artes del área. Recibe los fondos del North Carolina Arts Council, que apoyan a un número de grupos locales de arte a través de Grassroots Art Grants. El consejo de las artes también patrocina anualmente el Brunswick County Arts Council Art Show, y los fondos son asignados a las escuelas para los programas en el salón de clase y los viajes en autobús a los lugares regionales de arte. Además de la ayuda para las artes visuales, la ayuda es dedicada a las artes escénicas y a las artes literarias.
Condado de Columbus
El Columbus County Arts Council mantiene su propio centro en Whiteville, NC. A través de Grassroots Arts Grants, patrocinado por el estado, el consejo apoya a artistas locales. Las cuotas de los miembros ayudan a apoyar su programación, que incluye exposiciones de los artistas locales y del área. En la página web de CCAC se puede obtener más información http://www.columbuscountyarts.com/.
Condado de Onslow
El Council for the arts en el Condado de Onslow está situado en Jacksonville, NC. El consejo apoya el arte en el área con Grassroots Arts Grants, y también mantiene una galería que ofrece exposiciones de arte, clases, y talleres mensuales.
Condado de Pender
El Pender County Arts Council ubicado en Burgaw, la capital del condado. Su historia comenzó en 1976 con el grupo Pender Art and Crafts, que ha estado activo con una breve interrupción desde entonces. Desde 1992 hasta 1993, el consejo de artes ocupó la histórica estación de tren, en donde guardan las exposiciones de arte y administran una galería de arte localizada en la estación. Una vez parte del ferrocarril de Wilmington y de Weldon, la estación de ferrocarril data en 1850, y se cree que es la estación más antigua de Carolina del Norte. Los visitantes la pueden visitar, su galería, y el cabús, que está colocado en el camino a la estación. Estos lugares están abiertos al público con cita. (910) 259-8543
Lugares de Arte y Espacios
Arte en UNCW
El arte en University of North Carolina, Wilmington (UNCW) data desde la época en que se fundó la facultad por Claude Howell en 1956. A partir del tiempo en que la facultad estuvo localizado en el Kenan Hall, hubo exposiciones regulares en la antesala del edificio del arte estudiantil, así como las exposiciones de las obras de artistas locales. Cuando Kenan Hall fue renovado en 1994, nuevos espacios de presentación que se extendían del piso hasta el techo y vitrinas de cristal permitieron la extensión del horario para incluir pequeñas exhibiciones temporales, así como las exposiciones de obras de artistas regionales y nacionales. El nuevo lugar fue nombrado oficialmente The Claude Howell Gallery, y un busto del profesor Howell hecho por Stephen Smith, junto con varias de sus primeras acuarelas fueron instalados permanentemente en la galería.
En 2006, la Facultad de Arte y la Historia del Arte se trasladó a un nuevo edificio. El Cultural Art Building (CAB) es un espacio compartido, donde se encuentran Arte y la Historia del Arte, Música, y Teatro. La galería de arte del edificio está actualmente sin nombre, proporcionando una oportunidad de nombramiento acompañada por una dotación para el enriquecimiento de su programa. No obstante, existe un programa activo de la exposición que ha incluido la obra de artistas regionales y nacionales, así como la exhibición de la obra por los ganadores departamentales de becas, y la Senior Art Exhibition. El último es un producto del curso culminante de bellas artes. El busto de Howell por Stephen Smith se ha colocado en la entrada de la nueva galería.
La “Art Wall” en William M. Randall Library es otra importante localización para ver arte en el campus de UNCW. Mantenida por el personal de la biblioteca, este espacio ha recibido muchas exposiciones de las obras de la facultad de UNCW, exposiciones de artistas locales y regionales, y las exposiciones regulares de la obra de los beneficiarios del North Carolina Living Treasure Award.
Por muchos años Sherman Hayes, bibliotecario principal de la Randall Library, ha dedicado un porcentaje de su presupuesto anual a la compra de obras de artistas locales y regionales. Todas las obras de arte compradas o donadas a la biblioteca se exhiben en sus paredes, y forman la contraparte visual del enriquecimiento intelectual proporcionado por la palabra escrita. La inauguración de la página web es claramente una extensión de esa misión .The visual Arts Community in Wilmington and South East North Carolina.
UNCW Presents, es una rama de la UNCW Student Affairs Division, administra la Ana Flack Boseman Gallery en el recientemente renovado University Union. Este espacio fue posible por una donación generosa a la universidad por su homónima. Ana Boseman ha sido activa en la comunidad de artes visuales de Wilmington por muchos años, y también ha tomado numerosas clases en la universidad para su propio disfrute. Agradecida por el enriquecimiento que ella ha experimentado en cursos en UNCW, la señora Boseman le dio a la universidad un lujoso regalo. Los espacios adicionales de la exposición asociados a la Boseman Gallery se encuentran en el Warwick Center y el Fisher Student Center. En su declaración de la misión, la Boseman Gallery declara que su función primordial es como un espacio enfocado para el estudiante, pero la facultad, los egresados, y los artistas visitantes frecuentemente son presentados en sus exposiciones. Más sobre la Ana Flack Boseman Gallery se pueden encontrar en su página web www.uncw.edu/stuaff/presents/boseman-gallery.htm.
Espacios de Arte en Wilmington
En la comunidad hay un número de espacios de arte que realzan considerablemente la vida de las artes en Wilmington. Debido a que los números de espacios han aumentado significativamente en los últimos años, es imposible incluirlos a todos. Algunos sirven sólo para la creación del arte. Tal lugar es el recientemente renovado Community Arts Center, antiguamente el Wilmington U.S.O. Ahora es una parte Wilmington’s Parks and Recreation Department, y está situado en el centro histórico de la ciudad. La Thalian Association, es una organización de teatro comunitario, maneja el edificio para la ciudad y tiene oficinas y espacio de ensayo ahí. Aunque la instalación apoya varias actividades en la realización de artes escénicas, también ofrece una variedad de clases en artes visuales. El centro se dedica sobre todo al aprendizaje, y ofrece lecciones a precios bajos en una gama completa de disciplinas instruidas por artistas locales experimentados. Talleres, clases, presentaciones, conciertos, y la recaudación de fondos forman la mayor parte de las actividades del centro.
Acme Art Studios es otro espacio para crear arte que tiene un lugar especial en la comunidad del arte de Wilmington. Fundado como consorcio por siete artistas en 1992, Acme Art proporciona estudios de espacios individuales para alquilar para hasta veintidós artistas. El interior (parecido a un almacén) está dividido en estudios individuales para los artistas que trabajan en varios medios, incluyendo, pintura, escultura, y fotografía. Los artistas son libres de alterar sus espacios de cualquier manera que los haga apropiados a las demandas creativas según su medio, siempre y cuando no interfieran con sus vecinos. Acme ofrece dos importantes exposiciones de artes, una en diciembre y la otra, una demostración de primavera en abril. También recibe la exhibición bienal internacional No Boundaries Art Colony, varios talleres, y a veces alojamientos temporales para los artistas extranjeros.
Fundado por Dan Brawley y Dixon Stetler, la Independent Art Company es un lugar contemporáneo de artes contenido en dos edificios situados en Ninth Street y Princess Streets. Jengo’s Playhouse es un micro-cine con sesenta asientos, y el Wabi-Sabi Warehouse tiene 10 estudios para los artistas visuales y un privado estudio galería. La galería es definida como un “un espacio de exhibición de ‘hágalo usted mismo’ para artistas contemporáneos,” y tiene exposiciones temporales todo el año, y participa en Fourth Friday Gallery Nights. Para más información sobre presentaciones y exposiciones visite la página web IAC: http://cwilmington.com/member_detail.php?id=226.
Otro lugar, que ha sido un espacio personal para la creatividad, es el Golden Gallery, una institución venerable de arte en Wilmington. En los últimos treinta años ha ocupado un nicho importante en el Cotton Exchange en el centro de Wilmington. Aunque se ha trasladado cinco veces dentro del Cotton Exchange, la galería siempre ha sido uno de los lugares más populares de este conjunto de tiendas y boutiques que se encuentran en el viejo mercado de algodón de la ciudad. Su propietaria, Mary Ellen Golden, natural de Rose Hill, Carolina del Norte, comenzó trabajando en óleos y acrílicos antes de escoger la acuarela como su medio preferido. Ella encontró que “la belleza en el mundo natural alrededor de nosotros es su tema preferido.” La señora Golden toma su inspiración de asociaciones y de memorias que ella ha experimentado con la naturaleza, y mediante la perspicacia y la sensación las transforma en una acuarela.
Cuando ella se trasladó a Wilmington en 1977, ella abrió una galería de estudio en el Cotton Exchange y comenzó a enseñar la técnica de acuarela. Frecuentemente se puede encontrar a Golden pintando en la galería, y su video educacional, Watercolor Can Be Easy, está a menudo puesto en un monitor en el almacén. Su reconocimiento incluye su membresía en la Wilmington Arts Association, la Watercolor Society of North Carolina, y la American Watercolor Society; y su obra es representada en muchas colecciones corporativas y privadas. Las acuarelas originales de Golden y las impresiones Giclée son presentadas en la galería. Todo el trabajo en la galería de Golden fue originalmente suyo, pero ella ahora comparte el espacio con dos otros artistas.
Su hijo, John W. Golden es un artista gráfico cuyas imágenes digitales varían de coloridos peces hasta representaciones detalladas de perros. El señor Golden también trabaja en la fotografía, y la reciente seria Rovinato combina paisajes rurales y urbanos con revestimientos de texturas fotografiadas desde formas de metal oxidado hasta pintura desconchada, que dan al objeto la sensación de ruinas antiguas y de mundos perdidos en el tiempo.
Melissa Manley es una artista conceptual que trabaja en una variedad de medios. Su obra en metal y joyería se ofrecen en la galería. La señora Manley recibió su B.A. en arte de UNCW, y su M.F.A. de ECU. Su obra incorpora formas pequeñas delicadas tales como conchas marinas, alga marina seca, y vidrio del mar combinadas con abalorios, las gemas semipreciosas, y el alambre de cobre y plata. Ella también crea estampadas y perforadas joyas en plata inspiradas por la espuma de mar, las olas, y el alga marina. Los otros obras de Manley incluyen las vasijas de cobre martillado en la tradición de artesano colonial, y los objetos montados en alambre de acero oxidado y las tripas de animales que crea la sensación de cintas de cortinas colgando, o aún el alga marina, y remolinos de corrientes del océano. Más sobre la obra de Melissa Manley se pueden encontrar en su página web http://www.melissamanleystudios.com/. La página web de la galería de Golden es http://www.thegoldengallery.com/.
El Racine Center for the Arts se encuentra en un edificio de diseño contemporáneo que tiene 23.000 pies cuadrados de espacio para los artistas y diseñadores, el Firebird Art and Pottey Studio, clases de la educación del arte y de la música, tiendas de regalos, un café, y una galería de arte al por menor. Las clases de arte en arcilla y otros medios se ofrecen para los estudiantes de todas las edades. El centro tiene un programa particularmente activo para la juventud. The Gallery en Racine es una galería establecida de bellas artes que representa a talentosos artistas locales y nacionales. La mayoría de las obras en venta son originales. Desde su abertura, la galería se ha convertido en una meca para los artistas y los admiradores de arte en Racine Drive, localizado entre el distrito histórico del centro de Wilmington y Wrightsville Beach. El centro mantiene su propia página web en: http://www.racinecenter.com.
Entre los espacios dedicados exclusivamente a la exhibición y a la venta de arte, New Elements Gallery ha sido un lugar fijo en Wilmington por casi tanto tiempo como el Golden Gallery. Como una ubicación ideal para la exposición y venta de arte, se abrió en 1985. Tres años más tarde en 1988, su dueño actual, Merrimon Kennedy, la compró. La galería enfatiza el arte regional, y promueve particularmente a artistas de Carolina del Norte. Un número de obras en las artes, sin embargo, provienen desde toda la nación. Las nuevas exposiciones son montadas cada mes y corresponden con Fourth Friday Gallery Nights, que la Sra. Kennedy inició en 2003. La galería también representa un número de artistas locales que se enumeran en su página web, que también contiene información sobre la exhibición de los artistas, demostraciones futuras, e ilustra obras de exposiciones actuales: http://www.newelementsgallery.com.
Bottega Art and Wine es una galería del artista-dueño en el centro de Wilmington que se abrió en marzo del 2006. Sus propietarios, la artista, Bonnie England, y el autor, Steve Gibbs, han juntado sus talentos especiales para crear un nuevo nicho para el arte en el área. La señora England se graduó de UNCW en 2005 con una doble carrera en arte e historia del arte. Su plan original era abrir un estudio privado en una tienda con vitrina sobre la calle para que tuviera una cara pública. Ella puede ser a menudo encontrada pintando en la barra o en la ventana delantera del establecimiento. Después de examinar el mercado ella y su socio Steve, que trabajaba previamente como comerciantes de vino y cerveza, vieron el potencial para un bar de arte y de vino. Mientras que otras galerías combinan a menudo ventas y el enmarcado, ellos encontraron una manera de introducir el arte a un ambiente social relajado, donde los clientes pueden disfrutar de arte, y reflexionar sobre sus compras mientras comparten algunas tapas y una copa de vino. La palabra bottega significa “negocio” o “taller”, y tienen un doble significado para esta galería. Puede ser utilizada para identificar un estudio de arte para la producción de obras de arte, así como una tienda en donde se venden el vino y el ánimo. Las galerías patrocina exposiciones por artistas locales y muchos eventos especiales tales como lecturas de poesía y literatura, música en vivo, eventos para los niños, y presentaciones en multimedia. Para más información vea la página web http://www.bottegagallery.com/.
Creations by Justine es una galería de una artista en Wilmington que exhibe las obras caprichosas y estrafalarias de su dueña, Justine Ferreri. Justine y su esposo, Guy, son reconocidos en Wilmington como antiguos restauradores que dirigían Justine’s. Fue en ese lugar que Ferreri comenzó su enredo amoroso con el arte creando imágenes de sus clientes de tamaño real en papier- maché. Las obras actuales de la artista en barro son inspiradas por sus experiencias en las artes escénicas. Las encantadoras piezas basadas en el ballet, la danza moderna, y el teatro musical les dan la bienvenida a los visitantes mientras que entran en la galería. Ferreri también crea las obras que incorporan las travesuras del bufón y artistas del circo. La galería incluye un espacio para la exhibición de su obra y la de otros artistas que han sido elegidos para exhibir, y un estudio personal en donde ella hace sus creaciones. Más sobre la obra de Ferreri se pueden encontrar en la página web de la galería: http://www.creationsbyjustine.com/.
WHQRfm, la estación de NPR (Radio Pública Nacional) de Wilmington, dedicada a la programación cultural y a la música clásica, también apoya una galería de arte en el atrio de sus oficinas en la Front Street en el centro histórico de Wilmington. El uso de este espacio para el arte se convirtió en una prioridad cuando la estación trasladó su oficina central de Greenfield Street hasta el centro de la ciudad. Se han celebrado numerosas exposiciones que ofrecen obras de artistas locales y del estado. La galería recientemente ha realizado una renovación y cambio de nombre The Montage Gallery at WHQR. En su nueva encarnación, es manejado por los dueños de Montage Art and Design and Accent on Framing, que tiene su galería principal en Cross Creek Commons en Leland, NC. Los dueños, el artista, Jonnié Chardonn, y la enmarcadora, Mary Anne Sauer, ofrecen el arte de artistas locales, regionales, e internacionales en su galería en Leland y organizan exposiciones regulares para nuevos espacios. WHQRfm tiene una página web en: http://www.whqr.org/, y más sobre el arte y el diseño de Montage se pueden encontrar en: http://cwilmington.com/member_detail.php?id=776.
Walls Gallery of Art, localizada en Wrightsville Avenue en Wilmington, ha estado promoviendo las artes visuales en esta comunidad desde 1984. La galería es propiedad de David Leadman y Nancy Marshall, quienes mismos son pintores. Su historia incluye el desarrollo de las colecciones de artes corporativas y privadas, conservación de obras de arte, y el enmarcado. Su visión por la galería es basada en la premisa que Wilmington merece lo mejor, y esto determina su selección de la exhibición y la venta de la obra. El enfoque está en el arte figurativo y enfatiza el trabajo arraizado en lo natural y las características tradicionales en habilidades de dibujo. La Walls Gallery of Art también incluye un estudio de doradura y una instalación para la conservación de marcos. La página web de la galería se encuentra en: http://www.wallsgallery.com/
El artista Holly Perno-Smith comenzó la Three Hounds Gallery en 2006 como lugar en donde los artistas locales y del área pueden demostrar y vender su obra. La galería critica las obras de artistas en varios medios publicados cada mes, y tienen exposiciones individuales y grupales regularmente. La página web es http://www.threehoundsgallery.com/.
Port City Pottery and Fine Crafts está situado en el histórico Cotton Exchange en el centro de Wilmington. Es la única galería en Wilmington dedicada exclusivamente al arte y la artesanía hechas a mano, únicas en su categoría y de 3 dimensiones. Fundado con los esfuerzos y colaboración de siete mujeres ceramistas profesionales, la galería ofrece obras funcionales y de adorno en arcilla, tapices de fibras, paños pintados para el suelo, arte práctica de fibra, joyería, escultura de procesos múltiples, cestas de aguja de pino, y muebles de madera por encargo. Las obras en la galería son seleccionadas por el jurado entre el arte creado por los artesanos costeros de Carolina del Norte. Más información sobre artistas individuales pueden ser encontrados en la página web de la galería http://www.portcitypottery.com/.
Espacios de Arte en Condados Circundantes
Más allá de los límites la ciudad de Wilmington, las galerías y los espacios de arte continúan proliferándose. Tales espacios en varias comunidades son muchos, y pueden ser encontrados obteniendo acceso a los sitios del turismo por cada condado. Como consecuencia, solo algunos se trata en la siguiente sección.
Southport tiene su propio grupo de artistas, Associated Artists of Southport, basado en lo histórico Franklin Square Gallery en 134 E. West Street. Aunque la primera prioridad de la asociación es el crecimiento y el desarrollo de sus miembros, también promueve la educación del arte en la comunidad. El grupo celebró su aniversario número veinticinco en el año 2004, una ocasión que también marcó el aniversario número 100 del edificio de Franklin Square Gallery. La galería recientemente renovada tiene dos pisos con salones de exposición, una oficina de ventas, y un salón de reunión. Además de las reuniones mensuales para sus miembros, Associated Artist patrocina clases de pintura, dibujo, y la cerámica, al igual que talleres en una variedad de medios, y exposiciones con jurados, y todos están abiertos al público.
Cada julio, una exposición con jurado es celebrada conjuntamente con el N.C. Fourth of July Festival. Clases de pintura y de cerámica se llevan a cabo anualmente para los niños de escuela, y culminan en Kids Day, un día para la diversión de la comunidad, gratis al público, patrocinado por Associated Artists, Brunswick County Parks and Recreation Department y Southport Parks and Recreation Department. La Associated Artists of Southport mantienen una página web en: www.franklinsquaregallery.org.
En el condado de Onslow, World Art Gallery, abierto desde 1972, es un negocio familiar y manejan la galería de arte y la tienda de encargo de marco. Ellos exponen y venden pinturas originales en óleo, impresiones decoradas, y tienen la franquicia para vender las obras de artistas como Bob Timberlake.
Tidewater Gallery en el centro histórico de Swansboro, NC es una galería de estudio situada en una vieja tienda para guardar y vender el hielo en el White Oak River. La galería tiene bellas artes figurativas y artesanías, y un lugar de estudio de tallado de madera en donde un maestro tallador produce las trampas y las esculturas de aves acuáticas. El restaurante Icehouse, con vistas al río, colinda con la galería.
The Pender County Museum, en Burgaw es el área histórica del museo. Como parte de su misión, también exhibe los artículos tales como muebles, edredones, fotografías, y pinturas, que se agregan a la historia visual del arte en la región. El museo es manejado por la sociedad histórica local. Más información sobre las horas y las colecciones del museo se puede encontrar en la página del Museums USA en http://www.museumsusa.org/museums/info/1163031.
The Oak Island Art Guild se reúne en Oak Island Recreation Center, donde los miembros y los artistas invitados dirigen talleres mensuales gratis, y están abiertos al público. Los talleres cubren varios medios tales como acuarela, óleo, acrílico, pastel, pluma y tinta, lápiz de color, arcilla, collage, pintura de baldosa, caligrafía, retratos, y abstractos. El gremio patrocina cada año al estudiante de último año de la escuela secundaria, que planea asistir a la universidad y tener una especialización en arte, con una beca de $1.000 para dos semestres. Los eventos principales apoyados por Guild incluyen el Labor Day Arts and Crafts Fair, la Celebration of Oak Island, y la anual exhibición con jurado, Arts by ¿?, los últimos dos son patrocinados por the Parks and Recreation Department . (910) 278-3553.
Colonias de arte
No Boundaries, Inc. es colonia de arte más reconocida en el sudeste de Carolina del Norte. Su ímpetu vino de las visitas hechas por tres artistas de Wilmington en años sucesivos a partir de 1994 a 1996 en una colonia de arte en Macedonia. Como resultado de los contactos hechos en 1993 en el Acme Art’s “Hunter Moon Festival”, el pintor, Pam Toll se animó a solicitar una residencia de verano en una colonia de arte en Sloestica, Macedonia. En 1994, Toll fue solo, pero el año siguiente ella estuvo acompañada por la escultora de cerámica de Wilmington, Gayle Tustin. El año siguiente, el artista de Wilmington, Dick Roberts, hizo una residencia en la colonia. Las amistades y los contactos hechos en esos tres años dieron lugar a la creación de una colonia internacional de arte aquí en Wilmington con residencias para los artistas del extranjero. Después de examinar muchos lugares, la colonia encontró su espacio en Bald Head Island. Toll, Tustin y Roberts trabajaron incansablemente para perpetuar No Boundaries, Inc. y han tenido éxito en establecer una colonia internacional bienal en Bald Head Island, alternándose con una que sirve a artistas del sudeste de la región de los Estados Unidos. No Boundaries, Inc. ahora funciona como una corporación 501 sin ánimo de lucro con una junta directiva. Las colonias internacionales siempre invitan a un artista de Macedonia. Una colonia fue basada en el tema de Ciudades Hermanas de Wilmington, y artistas de Dandong, China, Barbados, Doncaster, Inglaterra, y de Fumicello, Italia asistieron. Al final de cada colonia, Acme Art Studios patrocina una exposición de obras hechas por los artistas residentes y de una recepción para el público. Los artistas residentes en No Boundaries han también compartido sus talentos con los estudiantes en DREAMS (una organización de Wilmington que trae arte a los niños en riesgo), los estudiantes en UNCW, y el público en Cameron Art Museum, Acme Art Studios, el Wilmington Art Association, y el Rotary Club.
Su siguiente proyecto es trabajar con Paint-a-Future, gracias a Pam Toll, que participó en dos simposios en Brasil y Francia como parte de esta asombrosa iniciativa. El proyecto fue iniciado por la artista holandesa Hetty van der Linden, quien percibe el potencial del arte para ayudar a niños por todo el mundo. Ella visita a quiénes son víctimas de la pobreza, guerra, o violencia, y pinta con ellos. Entonces, ella incorpora sus pinturas en sus propios lienzos grandes, y los traduce a ediciones de serigrafía expresando las esperanzas y los deseos de los niños. Los lienzos y obras serigráficas están para la venta. Toda la renta de las ventas es utilizada para realizar el sueño de cada niño en forma de vivienda, alimento, medicina, escuelas, y equipo para patio de recreo. En la siguiente colonia No Boundaries, los artistas residentes crearán pinturas de las composiciones y de las caras de estos niños, que serán utilizadas por van der Linden para continuar su obra con Paint-a-Future.
Ferias de Arte, Festival y Eventos
Indudablemente los más importantes eventos de arte en Wilmington son Fourth Friday Gallery Nights. Este eventos tiene una larga historia, remontándose a los años noventa cuando fue iniciado por varias galerías del centro de Wilmington, incluyendo New Elements, y fue coordinado con las aperturas de la exposiciones en St. John’s Museum of Art. La responsabilidad por coordinar estos eventos recientemente ha sido llevado a cargo de Bottega Art and Wine. Actualmente, nueve galerías participan en el área desde Water Street hasta Fifth y de Campbell a Nun en el distrito histórico del centro y sus alrededores. Funcionan mensualmente a partir de abril hasta diciembre, pero su popularidad sugiere la posibilidad de tenerlos en todo el año del 2009 y más allá.
The Orange Street Art Fair es un festival pequeño pero encantador que ocupa un bloque en la Orange Street entre la Second y la Front Street, y recientemente se ha ampliado sobre la Second Street. Es patrocinado por la Thalian Association, que utiliza la Community Arts Center para su oficina principal. Orange Street Art Fair también recibe la ayuda de otras organizaciones de la comunidad. La feria es una de las más viejas de Wilmington, con trece años consecutivos en existencia. Usualmente programada en mayo, tiene el arte, diversión, y comida para los asistentes, y es gratis, con donaciones apreciadas para apoyar la obra de la Thalian Association. Es un intimó ámbito y la excelencia de sus ofrecimientos hace una opción atractiva para los amantes del arte.
Celebration on Castle Street, fue el invento de Michael Moore y los artistas de Wilmington Art Association. Moore fue el primero en trasladar su almacén antiguo a la Castle Street, y ha estado promoviendo el área desde entonces. Celebration on Castle Street es una feria callejera de artes de primavera y artesanías que rodea varias cuadras de la calle e incluye cabinas para los artistas y artesanos locales y regionales, así como la comida y el entretenimiento. Posible gracias a los esfuerzos voluntarios de los artistas en la Wilmington Gallery, y las varias tiendas de antigüedades que han tomado raíz allí, la Celebration está en su segundo año, y aspira convertirse en un evento fijo entre todas las ferias y los festivales de arte de Wilmington.
La feria de artes y artesanías que han sido parte del Azalea Festival en Wilmington, es también digno de mencionar. Cubriendo los muelles desde Chandlers Warf hasta el Railroad Museum en Water Street, y recientemente rebosando en la Front, es probablemente el evento anual más grande de artes en Wilmington. Atrayendo a artistas y artesanos de todas partes del estado, y algunos de otros estados, su tamaño abarca obras que varía desde las bellas artes a las más simples artesanías del país. Su éxito continuo es un testamento al buen estado de las artes no sólo en Wilmington, sino en todo el estado.
¿Qué le Guarda el Futuro para las Artes Visuales en Wilmington y el Sudeste de Carolina del Norte?
Las muchas organizaciones de artes, los grupos de artistas, y las legiones de artistas practicantes en el sudeste de Carolina del Norte son prueba innegable que la historia de las artes visuales es rica y variada en la región. Prueba a la importancia de las artes visuales en las vidas diarias de los que viven, trabajan, y sueñan en nuestras comunidades. El alcance y la variedad de los empeños artísticos hasta la fecha son asombrosos en la ciudad de Wilmington, el Condado de New Hanover, y circundantes pueblos pequeños y áreas rurales. La región continúa creciendo y atrayendo nuevos “colonos” quiénes traen sus talentos como artistas visuales, o traen su propio amor por el arte. A medida que el Sudeste de Carolina del Norte continúa siendo enriquecido por aquellos que aman y hacen arte, el futuro parece brillante.
El artista Jean Arp dijo, “El arte es un fruto que crece en el hombre, como una fruta en una planta, o un niño en la matriz de su madre.” En Wilmington y sus condados circundantes, las artes visuales están vivas y funcionando bien. Aquí han florecido y producido fruto. En este lugar, sus raíces corren profundamente.
